MPC (Musepack)
Continuando con el análisis de los formatos de audio lossy es el turno de MPC, cuyo desarrollo comenzó en 1997. Junto a OGG Vorbis, es uno de los formatos que, al parecer, estaba destinado a terminar con el reinado de MP3.
Musepack utiliza como base los algoritmos presentes en MPEG Layer II, pero optimizados de tal manera que son capaces de competir con los demás formatos. Además de los presentes en la denominada Layer II, MPC utiliza otros algoritmos pertenecientes también a AAC, como el ya mencionado entropy coding y técnicas para reducir el ruido, entre otras. Al igual que OGG Vorbis, Musepack tiene siempre un bitrate variable (VBR), que puede ir desde 3 a 1300 kbits. Por último, y de manera similar que MP3, también utiliza el llamado «modelo psicoacústico» cuyo objetivo es reducir aquellas frecuencias que nuestro oído es incapaz de procesar correctamente, para optimizar la compresión del sonido. Sin embargo, las técnicas y algoritmos de este «modelo psicoacústico» difieren de las de MP3.
Otra de las similitudes entre MPC y MP3 es la metadata, y aunque Musepack utiliza otro tipo de tags, el objetivo y el resultado son, en definitiva, los mismos. En cuanto a rendimiento, es muy similar al de OGG Vorbis, llegando a la llamada «transparencia» unos cuántos kbps. antes que MP3. En definitiva, se trata de una alternativa muy interesante para aquellos que desean cambiar el formato de su colección de música.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con MPC pueden acceder a la página oficial, y a la sección desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento, a través de los enlaces publicados debajo.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle el rey de los formatos lossy: MP3.
Enlace >> Página oficial de MPC (Musepack)
Enlace >> Descargar MPC (Windows) – (Linux) – (OS X)
Cat Stevens >> «Tea for the Tillerman» (1970)
«Tea for the Tillerman« fue la compleción de lo vislumbrado en el álbum de regreso de Cat Stevens, «Mona Bone Jakon«, y lo consagró como uno de los mayores talentos británicos. El disco fue distribuido por Mobile Fidelity Records.
Tras un vacío en su carrera desde finales de los años 60’s, tras haber contraído una tuberculosis, Cat Stevens regresó en perfecta sincronía a comienzos de la década siguiente, justo cuando el movimiento de los cantautores estaba tomando impulso.
La canción que abre el disco, «Where Do The Children Play?», señaló la nueva dirección de Stevens. Aparentemente se trata de un tema pop, pero si se estudia con más detalle pone de manifiesto las preocupaciones del artista sobre el precio que estaba pagando la sociedad por el progreso y la técnica. «Wild World«, su primer sencillo en el Top 20 de Estados Unidos, llegó al puesto Nº 11 y le dio un nuevo giro a las canciones de ruptura. Por otro lado, «Father And Son» muestra al autor en una conversación intergeneracional.
Paul Samwell-Smith, ex Yardbird, proporcionó una producción suave y amable, que permitió que las canciones de Stevens respiraran. Urgido por el éxito de «Wild World», el álbum tardó cinco meses tras su publicación en alcanzar el puesto Nº 8 en Estados Unidos, permaneciendo en las listas durante 79 semanas. En Inglaterra, en cambio, sólo llegó a un modesto Nº 20.
Las canciones de este álbum han sido cantadas por artistas de muy diverso tipo, desde Mr. Big, Domino y Maxi Priest («Wild World») hasta Boyzone («Father And Son»), quienes han convertido los clásicos de Stevens en algunos de los mejores covers de la música internacional.
«Tea for the Tillerman» fue publicado en noviembre de 1970 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto Nº 92 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70’s.
Contenido del disco:
1) Where Do The Children Play?
2) Hard Headed Woman
3) Wild World
4) Sad Lisa
5) Miles From Nowhere
6) But I Might Die Tonight
7) Longer Boats
8) Into White
9) On The Road To Find Out
10) Father And Son
11) Tea For The Tillerman
Escuchar on-line >> Cat Stevens, «Wild World»
Carly Simon >> biografía
Carly Simon fue una de las artistas llamadas «confesionales», por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70’s.
Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.
A inicios de los años 60’s ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: «Winkin’ Blinkin’ and Nod».
Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.
Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, «That’s The Way I’ve Always Heard It Should Be» y «Anticipation», se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado «Carly Simon«, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.
Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.
La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90’s se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.
«No Secrets«, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.
También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.
Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.
Su cuarto álbum fue «Top Ten Hotcakes«, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó «Haven’t Got Time for the Pain» que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.
«Playing Possum« de 1975 y «Another Passenger« de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. «Nobody Does It Better» vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.
«Boys in the Trees«, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.
Sus siguientes discos, «Spy« de 1979 y «June« de 1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.
En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.
La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.
En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.
Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Oscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.
En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado «My Romance«. Seis meses después puso a la venta «Have You Seen Me Lately?« en el que todo el material era original.
Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.
Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.
Escuchar on-line >> Carly Simon, «Coming Around Again»
OGG Vorbis
Con esta entrada comenzamos el análisis de los formatos lossy. Vorbis es un códec de compresión de audio completamente Open Source y, por lo tanto, gratuito. Al ser utilizado en conjunto con el formato OGG, se convierte en lo que hoy conocemos como OGG Vorbis.
Este formato nació en 1998 en respuesta a una carta en la que los creadores de MP3 decidían cobrar regalías por su patente. Cuatro años después, luego de muchas pruebas, llegó la primera versión estable. Aunque poco utilizado en sus inicios, su popularidad ha crecido de manera considerable en los últimos años. Sus seguidores están por todo el mundo y la cantidad crece día a día.
Al igual que MP3 y muchos otros formatos lossy, OGG Vorbis utiliza la técnica MDCT (Modified Discrete Cosine Transformation), que cambia el dominio del sonido para llevarlo al de las frecuencias, y luego aplicarle otras técnicas como quantization y entropy coding. Este formato tiene una característica particular: funciona siempre en VBR (Variable Bit Rate). Al contrario de lo que sucede con un flujo de bits constantes, lo que hace VBR es variarlo según la complejidad del sonido, optimizando la compresión y, por lo tanto, el tamaño del archivo.
Las ventajas frente a MP3 se evidencian a simple vista. La más notoria es que suele llegar a lo que se denomina «transparencia» (es decir, cuando la calidad del sonido es tan similar a la del original que casi no se nota variación alguna) a aproximadamente 160 kbps, en contraste con MP3 que suele lograrlo a 192 kbps. Aunque parece una diferencia insignificante, logra reducir el tamaño del archivo y obtener la misma calidad, que es en definitiva el objetivo primordial de todo formato de compresión.
Si bien todavía no cuenta con mucho soporte en reproductores portátiles de audio y minicadenas, la situación está cambiando. Esto puede verse en las nuevas versiones de firmware para los principales reproductores de MP3, especialmente en marcas como Apple.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con OGG Vorbis pueden acceder a la página oficial, y a la sección desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento, a través de los enlaces publicados debajo.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossy: MPC.
Enlace >> Página oficial de OGG Vorbis
Enlace >> Descargar OGG Vorbis (Windows) – (otras plataformas)
Faith Hill >> «Breathe» (1999)
Después de haber explorado algunos de los terrenos del pop con su tercer disco, la estrella del country Faith Hill se metió de lleno en el género para grabar «Breathe» sin llegar a perder las riendas de la creatividad en ningún momento y poniendo como tema central del disco el amor.
De hecho, cinco de los trece cortes del disco contienen palabras de amor en el título, desde el festivo «I Got My Baby» y el alentador «The Way You Love Me», con armonías muy pegadizas, hasta el triste «Love Is a Sweet Thing». El cambio en la concepción de las letras obedece en gran medida a su matrimonio con Tim McGraw, auténtico ídolo del country, y a la llegada al mundo de su segundo hijo.
«Breathe» es una suave mezcla de rock, pop, rhythm & blues y gospel con un toque de country para contentar a su base de seguidores. El disco llegó rápidamente al Nº 1 del top 200 de Billboard y ganó tres premios Grammy el año siguiente, haciéndose acreedor del premio al Mejor Disco de Country, la Mejor Interpretación Femenina de Country, y la Mejor Colaboración Vocal de Country gracias al dueto con su marido en «Let’s Make Love».
«Breathe» fue publicado en noviembre de 1999 y vendió más de 8 millones de copias. Está en el puesto Nº 57 entre los 100 discos más vendidos de los años 90’s.
Contenido del disco:
1) What’s In It For Me
2) I Got My Baby
3) Love Is a Sweet Thing
4) Breathe
5) Let’s Make Love – Hill, Faith & Tim McGraw
6) It Will Be Me
7) Way You Love Me
8) If I’m Not In Love
9) Bringing Out The Elvis
10) If My Heart Had Wings
11) If I Should Fall Behind
Escuchar on-line >> Faith Hill, «Breathe»
America >> biografía
Dewey Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley se conocieron a finales de los años 60’s en Inglaterra mientras sus padres norteamericanos, que habían formado hogar con esposas inglesas, estaban estacionados en ese país como miembros de la Fuerza Aérea norteamericana. Los tres iban al “London Central High School” en donde integraron por separado dos bandas.
En 1969 Peek viajó a los Estados Unidos con el fin de empezar la universidad. El proyecto no funcionó y a su regreso a Inglaterra en 1970 los tres se reunieron con la idea de hacer música. Pidieron prestadas tres guitarras acústicas y desarrollaron un sonido basado en las armonías de sus voces apegándose al sonido de folk/rock de artistas como Crosby, Stills, Nash & Young.
El trío fue bautizado America en honor a su tierra de origen que apenas habían conocido. Sus primeras presentaciones fueron en bares de Londres como el circuito Roundhouse, en donde se presentó Pink Floyd a inicios de su carrera. Su presencia en la zona no pasó desapercibida y pronto Jeff Dexter los descubrió y los contrató para que abrieran las presentaciones de grupos más importantes. Poco tiempo después estaban firmando con Warner Brothers y a finales de 1970 grabaron su disco debut en los estudios Trident en Londres.
Su primer LP se llamó “America” y fue puesto a la venta en 1971 sin la pista de “A Horse With No Name”. Ian Samwell, un amigo de Dexter, se encargó de la producción del disco. Aunque los jóvenes querían irse por la onda del Club de los Corazones Solitarios de los Beatles, Samwell los convenció de desarrollar y usar su estilo acústico.
El éxito del disco fue apenas moderado. Samwell y Dexter los volvieron a llevar a un estudio, esta vez al Morgan en donde grabaron una serie de canciones adicionales, de las cuales una de ellas era “Desert Song” que fue rebautizada como “A Horse With No Name” debido al potencial que Samwell vio en ella. Empezando el año 1972 la canción estaba en la cima de todas las listas importantes del mundo. Esto obligó a relanzar el LP original de la banda, pero con la canción incluida, y llevó a que “I Need You” también trepara en las listas. Además, canciones como “Sandman”, “Riverside” y “Three Roses” pronto se convirtieron en favoritas de sus seguidores.
El éxito alcanzado con el disco hizo que el trío decidiera prescindir de Samwell y Dexter, además de mudarse a Los Ángeles en California emulando a The Eagles y Linda Ronstadt. La mudanza y una lesión en el brazo de Peek llevó a postergar la grabación del siguiente disco. La producción del LP la asumieron ellos mismos, orientándose más hacia el rock con la ayuda del baterista Hal Blaine y el bajista Joe Osborn, además de que Peek empezó a tocar la guitarra eléctrica en más pistas.
El segundo álbum se llamó “Homecoming” y fue puesto a la venta en noviembre de 1972. De él se extrajo el sencillo “Ventura Highway” que los volvió a colocar en lo alto de las listas. Su calidad musical y su popularidad fueron reconocidas con el Grammy al Mejor Artista Nuevo de 1972.
America empezó a sentir que tenía que seguir en esa senda de éxitos y de desarrollo de identidad musical. Poco tiempo después el grupo publica “Hat Trick”, un disco autoproducido en el que las cuerdas y la harmónica tenían el peso de la música. Resultó ser más ambicioso de lo que la gente estaba dispuesta a probar y solo una canción tuvo un poco de notoriedad.
El fracaso de “Hat Trick” los llevó a pedir ayuda para producir su cuarto LP. Apuntaron tan alto como se podía: George Martin, el sinónimo de la palabra producción en materia de rock, fue contratado por America por su probada capacidad con los Beatles.
Martin accedió en la medida en que el grupo volviera a grabar en Inglaterra. La demanda del ex productor de los Fab Four se basaba en que America tenía una bien ganada fama de tardar eternidades en las grabaciones, por lo que Martin no se podía dar el lujo de pasar mucho tiempo alejado de sus otros proyectos. El acuerdo permitió que Martin produjera el primero de siete discos para America.
Como era de esperarse, Beckley, Bunnel y Peek entendieron el mensaje y llegaron con sus nuevas canciones muy ensayadas para impresionar a Martin, lo que llevó a que el disco se grabara en unas pocas semanas a inicios de 1974.
“Holiday” fue puesto a la venta en junio de 1974 con un sonido más consolidado en cuanto al uso de las voces y la guitarra, pero innovador en el acompañamiento de los metales y las cuerdas como aporte de George Martin.
El trío pronto vio los resultados: “Tin Man” estaba en el Top Ten y luego vendría “Lonely People” para hacer lo propio a inicios de 1975.
“Hearts” fue grabado en Sausalito, California, y puesto a la venta en marzo de 1975. El nuevo disco, también producido por Martin, produjo el segundo número uno para America: “Sister Golden Hair” en el que se escucha un acompañamiento de guitarra inspirado en “My Sweet Lord” de George Harrison. Dos canciones más salieron del álbum: “Daisy Jane” y “Woman Tonight”, un tema inspirado en el reggae.
Aprovechando la creciente popularidad de America, Warner aprovechó para lanzar un disco de grandes éxitos que también fue titulado con “H”, “History: America’s Greatest Hits” que rápidamente se convirtió en disco de platino y que fue producido y remezclado por Martin.
“Hideaway” fue su sexto disco de estudio que salió a la venta en abril de 1976. Aunque no tuvo la suerte de “Hearts” o “Holiday”, produjo dos sencillos: “Today’s the Day” y “Amber Cascades”.
Martin y America se fueron a Hawaii a finales de año para grabar el séptimo álbum de estudio. “Harbor” solamente confirmó la tendencia declinante del grupo y fue su primer disco en no llegar a oro o platino y, además, fue la primera vez que no lograron sacar un sencillo.
A inicios de 1977, Dan Peek dejó la banda. Recientemente se había acercado a la religión y eso entró en choque con el estilo de vida asociado a una banda de rock, no exento de drogas y locuras de todo tipo. Además, estaba buscando desarrollar un estilo musical que se separaba del de Beckley y Brunnel. Peek abrió camino para un nuevo tipo de música rock, la religiosa, e inclusive logró entrar a la lista Billboard con una de sus canciones.
Los otros dos integrantes de America decidieron seguir en el proyecto. Terminaron su contrato con Warner Brothers y lanzaron su primer disco en vivo a finales de 1977.
Después de casi dos años de no producir nada en los estudios, volvieron con una reinterpretación de “California Dreamin’” de The Mamas & The Papas. El tema se reeditó para una película que llevaba el mismo nombre y que fue un completo fracaso, aunque la canción logró llegar al número 56 de Billboard.
Capitol Records se convirtió en la nueva disquera del grupo y su siguiente disco fue “Silent Letter” que rompió la tradición de las “H” en sus nombres de LP. El álbum se grabó en la isla antillana de Montserrat con todos los músicos de las presentaciones en vivo. El disco implicó varios cambios en el quehacer del grupo: empezaron a usar material escrito por otros compositores y el sonido que buscaron era más vanguardista aunque dentro de los cánones de la música contemporánea. “Only Game in Town”, basado en el sonido de Fleetwood Mac, logró colarse en las listas, al igual que “All My Life” y “All Around”, en tanto el disco nunca llegó a superar el lugar 110 de la lista de álbumes, lo que le valió el apodo de “Silent Record” por parte de Bunnell.
Para un grupo folk/rock era muy difícil encontrar espacio entre la música disco, el punk y el new wave. Sin embargo, el sonido de la banda siguió evolucionando durante los años 80’s y para el LP “Alibi” decidieron traer talento adicional desde afuera. El disco contó con la producción de Matthew McCauley y Fred Mollin. A su vez ellos trajeron músicos de apoyo como Tomoty Schmit, Leland Sklar y Steve Lukather de los Eagles. “Alibi” abandonó el sonido armonioso de las cuerdas y los vientos de Martin, por un sonido pop/rock más puro. A pesar de todo eso, el disco no logró, por tercera vez consecutiva, colocar un sencillo en Estados Unidos, aunque sí tuvo algo de movimiento en Italia.
“View From The Ground” de 1982 fue el disco más exitoso de America para Capitol Records. Puesto a la venta en julio de 1982 por fin sirvió para que Beckley y Bunnell probaran por sí solos el éxito comercial nuevamente. Aunque este disco fue producido por ellos mismos, contaron con la ayuda de Carl Wilson de los Beach Boys, Jeff Porcaro de Toto, Christopher Cross, Dean Parks y Russ Ballard quien fue el que más aportó al grupo. Fue él quien prácticamente grabó “You Can Do Magic”, la canción que se convertiría en el éxito más importante de America en 7 años al llegar al número 8 de Billboard.
Detrás de ese sencillo vino “Right Before Your Eyes” que fue un homenaje al cine mudo. El LP apenas llegó a la casilla 41 de los álbumes, pero fue una mejora importante si se toma en cuenta la caída en picada que llevaba el grupo en los años anteriores.
Producto del éxito alcanzado, Beckley y Bunnell le pidieron a Ballard que produjera completamente su siguiente disco: “Your Move”. Al final Ballard terminó escribiendo prácticamente todas las canciones e interpretando todos los instrumentos, además de producir el disco en sí mismo. Beckley y Bunnell se dedicaron a cantar todo aquello que Ballard les armó.
Una de las pistas fue modificada por Bunnell, quien la reescribió y rebautizó como «Border», además de ponerle de respaldo a la Real Orquesta Filarmónica. El sencillo fue número 33 y el disco llegó al puesto 81.
Algo que permitió mantener vigente al grupo es que en muchas películas se usaba su música, además de que eran llamados para componer canciones para cine.
La pausa en la producción de álbumes terminó en septiembre de 1984 cuando lanzaron “Perspective”. Ballard ya no estaba en la nómina, pero sí los sintetizadores y los tambores eléctricos. Varios productores ayudaron a crear un sonido bastante mecánico (propio de la época) que se vio en “Special Girl”, un verdadero fracaso comercial. La otra canción que sacaron del disco fue “Can’t Fall Asleep to a Lullaby” en la que participaron Steve Perry de Journey, Romert Maimer y Bill Mumy. Ambas canciones aparecieron en el circuito adulto contemporáneo brevemente, pero el disco apenas llegó al puesto 185.
“In Concert” fue el último disco para Capitol y fue su primer disco en no entrar a la lista de álbumes.
El final de la década de los 80’s encontró a America trabajando en mejorar permanentemente su espectáculo que era presentado unas 100 veces al año en todo el mundo. A pesar de su popularidad en las salas de concierto, las disqueras no se peleaban por contratarlos.
Con la popularidad del disco compacto a inicios de los años 90’s, muchos de los grupos clásicos del rock encontraron la posibilidad de reaparecer con nuevas colecciones o con discos reeditados.
En 1991 America volvió a grabar sus grandes éxitos y agregaron cuatro nuevas pistas para Rhino Records. “Hourglass”, de 1994, fue su primer disco de estudio en una década y fue puesto a la venta por American Gramaphone. La disquera se interesó en el dúo una vez que vio el impacto que tuvo su disco de éxitos. Dentro del disco estaban canciones muy pulidas y maduras como “Young Moon” y “Greenhouse”, además de nuevas versiones de “You Can Do Magic” y “Everyone I Meet Is From California”. Las críticas fueron muy buenas, las ventas no.
En 1998 volvieron a sacar un disco, esta vez bajo el sello Oxygen: “Human Nature”. El disco produjo dos sencillos, “From A Moving Train” y “Wednesday Morning”, que tuvieron éxito en las radios, pero no en las tiendas. Esto acabó con las expectativas de Oxygen y America, una vez más, se quedó sin casa disquera.
A inicios de este siglo, America se dedicó a reciclar su música a través de discos de grandes éxitos, un disco de Navidad y un disco en vivo. Sin embargo, Beckley y Bunnell se han enfocado en sus presentaciones en vivo, que son significativamente más lucrativas que cualquier esfuerzo de grabación.
Después de casi veinte años de estar al margen de la industria musical, America volvió a intentarlo en enero de 2007 con “Here and Now”, un disco que cuenta con la colaboración de Adam Schlesinger, y tiene algunas pistas en vivo de la época de oro de America.
Escuchar on-line >> America, «A Horse With No Name»
FLAC (free lossless audio codec)
Hasta hace relativamente poco tiempo, los formatos lossless gozaban de muy poco éxito. Debido a Internet, los usuarios estaban dispuestos a perder un poco de calidad de sonido para obtener un archivo pequeño que pueda ser fácilmente transferido por la Red. En ese arduo panorama, los únicos formatos lossless que sobrevivían eran aquellos cuya compresión era tan buena que valía la pena usarlos. FLAC (free lossless audio codec) es uno de los mejores exponentes de este tipo de formatos, que poco a poco están recuperando terreno gracias al aumento de las velocidades de conexión y a un interés creciente de parte de los usuarios.
FLAC se distingue, entre otras cosas, por lograr una compresión mayor que la mayoría de los algoritmos lossless. Esto se explica porque está específicamente diseñado para comprimir audio, cosa que no sucede con otros algoritmos como ZIP o similares. En pocas palabras, los algoritmos presentes en FLAC primero convierten la información en una serie de números sin relación utilizando una técnica llamada predicción lineal, que luego son almacenados eficientemente con una forma modificada de entropy coding, también presente en los formatos MPC y OGG. Además, utiliza Run-Length Encoding para ordenar aquellos bloques similares, como los silencios.
Cabe destacar que FLAC cuenta con tags, pero no del tipo ID3, lo que dificulta en parte su lectura para algunos programas. Esa es una de las pocas críticas hacia este formato, ya que sus escasos bugs le han hecho ganar la reputación de infalible.
Gracias a estos algoritmos, FLAC tiene una popularidad pocas veces alcanzada por formatos de su tipo, algo de lo que sus desarrolladores deben estar muy orgullosos. Además, puede ser utilizado, mediante plug-ins, con diversos programas tales como Windows Media Player, Winamp, VU Player y otros. Como ventaja adicional, el software de codificación está disponible para diversas plataformas como Linux, Mac OS X, Windows, Amiga y OS/2, entre otras.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con FLAC pueden acceder a la página oficial, y a la sección desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento, a través de los enlaces publicados debajo.
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En una próxima entrada comenzaremos el análisis de los formatos lossy.
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Def Leppard >> «Hysteria» (1987)
Def Leppard había saboreado ya la experiencia de ser una superestrella del rock, aunque circunscrita a Estados Unidos, con la publicación de su álbum de 1983 «Pyromania«. Sin embargo, los planes para seguir construyendo su éxito fueron por lo menos problemáticos.
Robert John «Mutt» Lange rechazó una oferta para producir el siguiente álbum y decidió tomarse un descanso después de la grabación de «Heartbeat City«, de The Cars. En su lugar, Def Leppard trabajó con Jim Steinman y empezó a grabar temas en Holanda, en 1984, antes de decidir que el estilo del producto no era el apropiado para su música. A sugerencia de Lange, el grupo volvió sus pasos entonces hacia Nigel Green, que había sido el ingeniero de su segundo álbum, «High’n’ Dry«.
Más adelante, en la nochevieja de 1984, el baterista Rick Allen perdió su brazo izquierdo en un accidente de auto. Logró aprender a utilizar un equipo de batería adaptado para él, y volvió a unirse con Def Leppard en el estudio en 1985. Lange regresó al escenario, pero se sintió insatisfecho con las nuevas grabaciones. Se volvió, por tanto, a empezar de nuevo, casi desde cero.
Se continuó la grabación del nuevo disco durante todo el año 1986. Finalmente, «Hysteria» fue publicado en 1987, pero las ventas iniciales fueron lentas y el primer sencillo, «Women», no logró clasificarse en las listas. La suerte cambió con la publicación de «Animal», el segundo de los siete sencillos que se publicaron del álbum. En Estados Unidos, «Love Bites» arrasó y llegó al N° 1 en la lista de sencillos.
“Hysteria” se publicó en julio de 1987 y vendió más de 12 millones de copias. Está en el puesto Nº 10 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80’s.
Contenido del disco:
1) Women
2) Rocket
3) Animal
4) Love Bites
5) Pour Some Sugar On Me
6) Armageddon It
7) Gods Of War
8) Don’t Shoot Shotgun
9) Run Riot
10) Hysteria
11) Excitable
12) Love And Affection
Escuchar on-line >> Def Leppard, «Love Bites»
Huey Lewis and The News >> biografía
Huey Lewis and The News es una banda de bar a la que le fue realmente muy bien. Con un rock & roll simple y directo e inspirados en las bandas de bar inglesas y en la música de los años 60’s, la banda originaria de San Francisco, Estados Unidos, se convirtió en uno de los grupos más notorios de los 80’s.
Con canciones como «Workin’ for a Livin’,» «I Want a New Drug,» «The Heart of Rock & Roll,» «Hip to Be Square» y «The Power of Love» se convirtieron en el icono cultural de los yuppies por sus letras que ensalzaban la realidad de los trabajadores de oficina y sus aficiones deportivas.
A medida que los 80’s avanzaban, las letras se hacían más sencillas para acercarse a un público más viejo que decidió adoptarlos, pero al inicio de los años 90’s la fórmula mágica se había acabado. Sin embargo, el grupo se mantuvo como un espectáculo digno de ser visto y con una producción que regularmente llegó a las estaciones del adulto contemporáneo.
Las raíces de la banda están en el grupo Cover, una formación country que formaron Lewis (Joeish Hugh Cregg III) y el tecladista Sean Hopper al regreso de Lewis de un viaje de mochilero por Europa en 1972.
El número fue descubierto por un productor inglés, Nick Lowe, en un club nocturno californiano en 1976. Lowe tenía la idea de que el grupo podía ser un suceso en los bares ingleses. Ahí lograron una pequeña audiencia cautiva y, a partir de ese éxito, intentaron con un primer sencillo («Chicken Funk») en el que Lewis hacía la voz principal. Al año siguiente, la banda (sin Lewis) hizo de soporte para Elvis Costello en la grabación del álbum debut del artista.
En medio de la fiebre punk, Polygram lanzó dos álbumes de Clover que nunca encontraron alguien que los escuchara. Además, John McFee, el líder de la banda, se fue a tocar con los Doobie Brothers. Ese fue el final del grupo y todos volvieron a California. Pero antes de partir, Lewis tocó la armónica en un disco de Lowe y cantó «Bad Is Bad».
A su regreso a Estados Unidos, Lewis y Hopper empezaron a improvisar en un bar de San Francisco. Allí formaron una banda llamada American Express con Mario Cipollina en el bajo, Johnny Colla en el saxofón y la guitarra, y Bill Gibson en la batería. El grupo grabó un sencillo con Mercury Records que fue ignorado. En 1980 se agregó el guitarrista Chris Hayes y lograron un contrato con el sello Chrysalis, que además pidió que se le cambiara el nombre a la banda. Escogieron llamarse Huey Lewis & The News e inmediatamente empezaron a trabajar en su primer disco que se llamó igual que la banda y fue un fracaso…
Sin embargo, sin desanimarse, en 1982 grabaron «Picture This«, su segundo disco, que produjo el éxito «Do You Believe in Love» que llegó al Top Ten, y además tuvo dos éxitos menores con «Hope You Love Me Like You Say You Do» y «Workin’ for a Livin'». Esto sirvió para crear una base de seguidores importante que hizo presión para el tercer álbum: «Sports«.
El disco fue un éxito completo desde su salida a finales de 1983. Lento pero seguro, el álbum se convirtió en un multiplatino empujado por la nueva cultura del vídeo que venía de la mano de MTV. «Heart and Soul», «I Want a New Drug», «The Heart of Rock & Roll» y «If This Is It» dominaron las listas durante 1983 y 1984 llegando al Top Ten. El disco fue número uno y llegó a vender 7 millones de copias.
A finales de 1984 Lewis demandó a Ray Parker Jr. acusándolo de plagiar «I Want a New Drug» en el tema principal de la película «Los Cazafantasmas». El asunto se arregló fuera de la corte.
Un año después vino el primer Nº 1 de la banda con «The Power of Love«, que fue el tema principal de la película «Volver al Futuro».
En 1986 publican «Fore!«, su cuarto disco, que produce 5 sencillos que llegan al Top Ten, dos de los cuales fueron número uno: «Stuck With You» (Nº 1), «Hip to Be Square» (Nº 3), «Jacob’s Ladder» (Nº 1), «I Know What I Like» (Nº 9), y «Doing It All for My Baby» (Nº 6).
Con un nombre consolidado y con dos álbumes que produjeron éxitos a raudales, el grupo decidió ampliarse musicalmente con el disco «Small World» de 1988. En él, exploran varios ritmos musicales de los Estados Unidos. De ese disco salió «Perfect World» que llegó al Top Ten, pero el disco no logró los niveles de venta que habían tenido sus predecesores y eso generó algo de decepción.
El grupo se tomó 3 años para sacar «Hard at Play» con su nueva disquera EMI. El disco no llegó a los 20 más importantes y produjo un éxito menor que fue «Couple Days Off». Eso sirvió para darse cuenta que los tiempos de oro se habían terminado y lo tomaron con calma.
Desde entonces se dedicaron a hacer giras esporádicas, grabaron «Four Chords & Several Years Ago» en 1994, un disco orientado al mercado del adulto contemporáneo y plagado de covers. Fue una adaptación natural del grupo a los gustos de la audiencia, pero también un regreso a su propio estilo. Éste, además, sería el último álbum que grabara el bajista Mario Cipollina, que luego de la gira del disco abandonó la banda.
El primer álbum de la banda con material nuevo no llegó hasta el año 2001. Fue producido por la discográfica Jive Records, y titulado «Plan B«. Este sería el último álbum que grabaría como miembro de la banda el guitarrista Chris Hayes. El álbum es una colección de canciones que la banda había disfrutado tocando en conciertos, y con las que obtuvieron algunas de las mejores críticas de su carrera. El álbum solo rozó ligeramente las listas, siendo el single principal «Let Her Go & Start Over» el que provocó más interés.
El último álbum de estudio del grupo hasta el momento, «Soulsville«, salió al mercado en 2010 con el sello discográfico W.O.W. Records. Es un disco de homenaje al soul de Stax Records que se grabó en los Ardent Studios de Memphis, Tennessee.
Escuchar on-line >> Huey Lewis & The News, «Stuck With You»
TTA (True Audio)
Continuando con los exponentes del grupo lossless nos encontramos con TTA (True Audio), uno de los formatos que más popularidad ha ganado en los últimos años. Junto con APE Y FLAC, True Audio es considerado como uno de los más maduros en su tipo. ¿Porqué sucede esto? Muy sencillo: rápida y eficiente compresión, alta calidad de sonido y, sobre todo, licencia gratuita y Open Source.
TTA puede trabajar en multichannel y en 8, 16 y 24 bits, algo de lo que no todos los formatos pueden jactarse. Al igual que APE, TTA utiliza métodos presentes en los algoritmos de ZIP y PKZIP, pero optimizados para comprimir audio eficientemente. De esta intensiva optimización se desprenden las principales características de TTA que le han valido fama mundial.
La rapidez y la efectividad en cuanto a compresión cumplen un papel esencial en su éxito. Sus creadores aseguran que este formato es, sin lugar a dudas, el que más rápido puede comprimir archivos de audio. Además, logra reducir entre 30% y 70% el tamaño original del archivo, similar a lo que sucede con FLAC.
Como su códec es capaz de compilar en cualquier sistema operativo o plataforma, TTA tiene una flexibilidad impresionante. Y por si todo esto fuera poco, tiene soporte para los reproductores de audio más populares y tags del tipo ID3. Estas fuertes características hacen que criticar a este formato sea una tarea inútil. Salvando algunos bugs menores, no posee falla alguna.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con TTA pueden acceder a la página oficial, y a la sección desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento, a través de los enlaces publicados debajo.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada analizaremos el formato lossless por excelencia: FLAC.
Enlace >> Página oficial de TTA
Enlace >> Descargar TTA
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