Garth Brooks >> «No Fences» (1990)

Visto por muchos como el salvador de la música country, Garth Brooks tomó el lenguaje tradicional del género y lo reinterpretó con ganchos pop y una actitud cercana al rock & roll. Su segundo gran disco, «No Fences«, le vio más confiado en su papel de aspirante a nuevo rey del country. Al igual que su oponente femenino, Shania Twain, su éxito se basaba en su habilidad para mezclar lo viejo y lo nuevo, creando una música que resultase atractiva para una amplio espectro de seguidores.

En este disco Brooks se muestra especialmente inspirado con las baladas, en las que los suaves tonos de folk y los arreglos más duros de rock se usan con un efecto magistral. Sus elegantes credenciales se mantienen intactas en temas como «Friends In Low Places«, uno de los cuatro sencillos de gran éxito del disco. Los otros tres sencillos, «The Thunder Rolls», «Two Of a Kind, Workin’ on a Full House» y «Unanswered Prayers» ayudaron a prolongar la vida del disco en las listas de ventas hasta alcanzar un sorprendente número de disco vendidos.

«No Fences» en conjunto tiene una consistencia pocas veces vista, con la conmovedora «New Way To Fly» y la pegadiza «Mr Blue» que muestran al ídolo del country en su salsa entre la tristeza y el humor. Con el sombrero de vaquero en su sitio, «No Fences» marcó el camino que Brooks debería seguir en el futuro.

«No Fences» se publicó en agosto de 1990 y vendió 16 millones de copias. Está en el puesto Nº 5 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90’s.

Contenido del disco:

1) The Thunder Rolls
2) New Way To Fly
3) Two Of a Kind, Workin’ on a Full House
4) Victim Of The Game
5) Friends In Low Places
6) This Ain’t Tennessee
7) Wild Horses
8) Unanswered Prayers
9) Same Old Story
10) Mr Blue
11) Wolves

 Escuchar on-line >> Garth Brooks, «Friends In Low Places»

Bonnie Tyler >> biografía

Nacida en 1951 en Gales, Reino Unido, bajo el nombre de Gaynor Hopkins, creció en un hogar de clase trabajadora de seis hermanos. Es hija de un padre minero y de una madre amante de la ópera que le transmitió su amor por la música. Desde chica escuchó a Janis Joplin y a Tina Turner, a quienes encontró como sus referencias.

Cuando tenía 17 años, en 1970, siendo Gaynor Hopkins entró a un concurso de talentos y cantó una canción que había sido interpretada años antes por una artista del mismo apellido, Mary Hopkins. Cantó “Those Were The Days” y quedó en segundo lugar, detrás de una cantante profesional.

Sus primeros pasos como cantante fueron en un grupo llamado Bobby Wayne and the Dixies del que formó parte dos años. luego de ser escogida en una audición. Después se iría para formar su propio grupo, Imagination, con el que se dedicaría a cantar por los bares del sur de Gales por casi 10 años.

En 1975 cambió su nombre artístico por Bonnie Tyler y grabó su primer sencillo para RCA llamado “My My Honeycomb” que no logró llegar a las listas. La canción nunca fue del agrado de la artista y aunque muchos de sus admiradores buscan el maxi para escucharla antes de su operación de garganta, la tarea se ha hecho imposible.

Su segundo sencillo, “Lost in France” (1976), demostró como una letra casi sin sentido podía tener un poder increíble interpretada por la voz correcta. La canción llegó al puesto Nº 10 en las listas británicas y cuando entró a Europa la popularidad del tema no hizo más que aumentar al punto que hoy es uno de sus clásicos.

Las presentaciones en los bares ingleses le trajeron mucha suerte a Tyler. Fue allí donde conoció a su marido, con quien aún está casada, y fue en uno de ellos también donde la vieron los productores Roonnie Scott y Steve Wolfe, quienes asumieron su representación durante seis años y actuaron como sus compositores y productores entre 1976 y 1981.

En 1976 Tyler tuvo que someterse a una operación de garganta para eliminar unos nódulos que ya le impedían cantar. El resultado de la intervención tuvo un impacto serio en su carrera en la medida en que su voz se volvió más tosca y se acercó al tono de artistas como Tina Turner o Kim Carnes, con quien permanentemente era comparada, además de recibir el apodo de “la Rod Stewart femenina”.

El éxito alcanzado con «Lost in France» le permitió a Tyler grabar su primer LP en 1977. El álbum, “The World Starts Tonight”, apenas tuvo un éxito moderado, pero facilitó las cosas para una gira europea.

Su nueva voz carrasposa le daba la sensación de que su carrera se había terminado, pero su siguiente sencillo “It’s a Heartache” le probó lo equivocada que estaba. Contenido en su segundo LP llamado “Natural Force”, el tema llegó al puesto Nº 4 en Inglaterra, Nº 5 en Estados Unidos y Nº 1 en el resto de Europa. Esto le abrió el mercado norteamericano de par en par. El disco llegó a vender más de seis millones de copias y es, hasta la fecha, el más importante de su carrera.

Más aún, la canción “Sitting on the Edge of the Ocean”, escrita también por Scott y Wolfe, la llevó a ganar el premio Yamaha en Tokio, Japón. Ahora estaba en todas las listas y era una artista de la que se esperaba sólo lo mejor. Sin embargo, las cosas no marchaban como ella quería. Su siguiente maxi fue “Married Man”, que apenas llegó al Nº 35 en las listas inglesas y era resultado de una aparición en una película.

Sus dos últimos discos para RCA, “Diamond Cut” y “Goodbye to The Island”, eran más discos de country que de una artista cuyas referentes eran Janis Joplin y Tina Turner. Estaba a punto de firmar su segundo contrato con Scott y Wolfe cuando se dio cuenta de que las cosas no marchaban en la dirección que ella quería y en ese momento su carrera tuvo un giro importante justo antes de enterrarse más en el country.

En 1982 firmó con CBS. Como resultado vino su disco “Faster Than the Speed of Night” (1983), escrito por Jim Steinman (quien produce a Meat Loaf), y que estuvo en la cima de las listas de todo el mundo por semanas. De hecho Bonnie Tyler se convirtió en la primera mujer en lograr que un álbum llegara directamente al primer lugar en el Reino Unido.

El disco es reconocido por los conocedores del rock como una obra maestra con claras influencias clásicas. Por un lado el canto era casi de ópera, en tanto que en lo musical su explosividad recordaba a Tchaikovsky. “Total Eclipse of The Heart” le valió la nominación al Grammy como mejor cantante femenina y el disco al de mejor álbum, y ambos premios fueron para ella.

La canción, en cuestión de semanas, había subido a la cima de la popularidad desplazando a “Billie Jean” de Michael Jackson. Durante las cuatro semanas que estuvo en el primer lugar bloqueó a «Making Love Out Of Nothing At All» de Air Supply y no la dejó pasar del segundo lugar. Lo irónico es que ambas canciones habían sido compuestas por Jim Steinman. El disco vendió 5 millones de copias.

En 1984 actuó en la ceremonia de los Grammy interpretando la canción que el año anterior la había hecho famosa, mientras era nominada por “Here She Comes”, un tema que formaba parte de la banda de sonido del clásico del cine Metrópolis, que había sido restaurada. Ese mismo año alcanzó otro éxito mayúsculo con el sencillo “Holding Out for a Hero”, de la banda de sonido de la película Footloose.

En 1985 vino “Making Love of Nothing at All”. El sencillo fue lanzado en Inglaterra a través de una presentación durante la transmisión de la lotería nacional. La aceptación de la gente fue maravillosa, pero a la hora de ir a las tiendas a conseguir los discos, se habían agotado. El resultado fue que la canción no entró en el Top 40 y por ende no tuvo la atención ni la rotación que merecía en las radios.

Le siguieron los álbumes “Secret Dreams and Forbidden Fire” (1986) y “Hide Youtr Heart” (1988), cuyos resultados no fueron necesariamente los mejores. En 1991 Bonnie Tyler grabó el disco “Bitterblue” que fue un éxito en Europa. Le siguieron “Angel Heart” (1992) y «Silhouette in Red«, de 1993, que barrieron por toda Europa.

La discografía de Bonnie Tyler continuó con los álbumes «Free Spirit» (1995), «All in One Voice» (1999), «Heart Strings» (2003), «Simply Believe» (2004) y «Wings» (2005).

Después de estos éxitos, sus conciertos han seguido congregando grandes cantidades de seguidores, pero sus discos han tenido una respuesta limitada. En 2006 Bonnie Tyler celebró 30 años de trabajo en la música con una gira llamada “Celebrate”, un sencillo llamado “Louise” y un DVD con sus presentaciones en vivo.

Desde entonces ha hecho varias apariciones en televisión, participó del Festival de la Canción de Eurovisión y realizó una gira por Sudáfrica. Su último álbum de estudio, «Rocks and Honey» fue lanzado en 2013.

 Escuchar on-line >> Bonnie Tyler, «It’s a Heartache»

APE (Monkey’s Audio)

Con un nombre más bien cómico, APE (Monkey’s Audio) es un formato lossless que sin dudas merece una mención especial. La principal ventaja con respecto a sus competidores es que es totalmente gratuito y sin restricción alguna de uso.

Los algoritmos de compresión que utiliza son los de ZIP, seguramente un viejo conocido para todos los aficionados a la informática. Esta característica hace que su compresión no sea tan buena como la de FLAC, aunque el archivo obtenido tiene, casi siempre, la mitad de tamaño que el original. Sin embargo, este formato lossless presenta tres notables armas que lo hacen sobrevivir en la ardua batalla de los formatos de audio.

La primera y más original es su capacidad para detectar errores. Con otros formatos se hace imposible detectar por qué un archivo está dañado y, por consiguiente, cómo arreglarlo. La segunda parte de su armamento recae en los tags, los cuales son poco comunes en los formatos lossless. Su tipo es ID3, igual que MP3.
Su última línea de ataque consiste también en una técnica original: la normalización, un proceso por el cual se normalizan los archivos para que todos estén al mismo nivel de volumen. Esto nos permite, entre otras cosas menos drásticas, escuchar música clásica y heavy metal sin sobresaltarnos.

La única falla considerable de APE es su falta de soporte multichannel, algo que todos los formatos actuales deberían tener considerando el auge de los equipos 5.1 en todo el mundo.
De esta manera, y gracias también a su soporte para los últimos reproductores de audio, APE logra destacarse dentro del enorme grupo de formatos lossless.

Para quienes deseen experimentar y trabajar con APE pueden acceder a la página oficial, y a la sección desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento, a través de los enlaces publicados debajo.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.

En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossless: TTA.

 Enlace >> Página oficial de APE

 Enlace >> Descargar APE

Kate Bush >> «Never for Ever» (1980)

Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en Inglaterra. A la edad de 16 años fue descubierta por David Gilmour de Pink Floyd, quien quedó asombrado con el talento de la joven Cathy. Logró entonces, por mediación de Gilmour, grabar algunas de sus canciones, de manera que pronto la discográfica EMI se interesó por sus composiciones.

Sin embargo, una vez que Cathy, desde ahora Kate, firmó un contrato con la casa de discos, no se sumergió directamente en la grabación de su primer trabajo: durante tres años recibió clases de mimo, danza y canto, de manera que pudo desarrollar con creces sus aptitudes y lograr un conocimiento musical profundo.

Será en 1980 cuando Kate Bush decida dar un giro a su forma de concebir canciones: «Never for Ever«, su tercer trabajo, fue compuesto y grabado empleando casi exclusivamente sintetizadores y cajas de ritmos. El abandono progresivo del piano clásico impulsó el uso casi sistemático de nuevos instrumentos electrónicos que permitieron a la cantante ampliar sus horizontes sonoros y crear nuevos efectos. Las canciones viajan por territorios tan dispares como la balada folk «Army Dreamers», los experimentos corales de «Night Scented Stock», o el pop impregnado de sonidos medievales y orientales en «All we ever look for» y «Babooshka«.

«Never for Ever» le permitió a Kate Bush regresar a los primeros puestos de las listas. Los sencillos alcanzaron ciertamente popularidad, pese a que en esta ocasión los temas tratados mostraban ya las inquietudes y opiniones de Bush: «Army dreamers» esconde bajo su delicado aire de vals una crítica al sistema británico, «Breathing» reflexiona sobre los peligros de una catástrofe nuclear, y «Blow away» es un tributo dedicado a un amigo íntimo fallecido.

Contenido del disco:

1) Babooshka
2) Delius (Song Of Summer)
3) Blow Away (For Bill)
4) All We Ever Look For
5) Egypt
6) Wedding List
7) Violin
8) Infant Kiss
9) Night Scented Stock
10) Army Dreamers
11) Breathing

 Escuchar on-line >> Kate Bush, «Babooshka»

A-ha >> biografía

A-Ha es el trío noruego más exitoso salido de esas tierras. Se formó en septiembre de 1982 y lo integran Morten Harket (nacido el 14 septiembre de 1959 en Kongsberg, Noruega; voz principal), Magne Furuholmen (nacido el 1° de noviembre de 1962 en Manglerud, Oslo, Noruega; voz y teclado) y Paul Waaktaar-Savoy (nacido el 6 de septiembre de 1961 en Manglerud, Oslo, Noruega; voz y guitarra).

Admirados por Madonna, U2, Coldplay y Robbie Williams desde la época de “Take On Me” y “Cry Wolf”, el trío noruego A-Ha es una de las bandas pop más influyentes de los años 80’s y que hoy en día sigue produciendo material que sorprende a propios y extraños.

Pero Magne Furuholmen (tecladista de A-Ha) no se siente más importante y con una dosis de humildad declaró al diario Mercurio de Chile: “Los chicos de U2 deben creer que nos hemos convertido en acosadores, porque en cada entrevista que damos nos preguntan por nuestra relación con ellos. Esto es sólo porque el pobre The Edge nos dio un espaldarazo al hablar de las comparaciones entre «The Sun Always Shines on TV» (de A-ha) y «Beautiful Day» ¡cómo se debe estar mordiendo la lengua!”

Cuando Magne Furuholmen tenía 10 años y Paul Waaktaar 12 seguían de cerca la carrera de los Beatles y empezaban a soñar con hacer música igual que sus ídolos. Esto ocurrió poco después cuando formaron parte de distintos grupos musicales mientras iban a la escuela primera y luego al colegio secundario.

Después de varios años de tocar en bandas escandinavas como “Spider”, “Empire”, “Soldier Blue” y “Bridges” (con la que sacaron un álbum con sus propias composiciones), Magne y Paul se dieron cuenta que les era suficiente presentarse en bares y escuelas. Entonces invitaron a Morten Harket, un talentoso cantante local, a que se les uniera en un viaje a Londres a probar suerte, pero éste rechazó la oferta.

Después de 6 meses de sacrificios y decepciones en la capital inglesa, el entonces dúo regresó a Noruega a replantearse, no a dejar de pelear. De regreso en Oslo, en 1984, intentaron de todo para convencer a Harket de unirse a la banda. Luego de mucho insistir el cantante accedió. Ahora como un grupo completo volvieron a Inglaterra y encontraron una casa disquera y algunos admiradores. Durante los siguientes doce años A-Ha se radicó en Londres, donde se concretaron sus sueños más exóticos.

Warner Brothers era ahora su disquera e inmediatamente los puso a trabajar en su primer sencillo: “Take On Me”, que fue producido por Tony Mansfield y cuyas ventas fueron bastante malas.

Decepcionados por el resultado, A-Ha volvió a grabar el tema, esta vez producido por Alan Tarney y acompañado por un vídeo promocional que fue revolucionario para la época, en el cual por primera vez se mezclaban animaciones en boceto con vídeo natural. El sencillo llegó a ser número 1 en los Estados Unidos y número 2 en Inglaterra.

La canción era tan pegajosa que cualquier oyente la reconocía después de haberla escuchado un par de veces. En Estados Unidos las estaciones de radio y televisión le dieron toda la rotación que pudieron debido a lo revolucionario del vídeo, y MTV no dejó de pasarlo porque ese tipo de producto era lo que le daba empuje al canal.

El momento no pudo ser mejor. Durante 1985 el trío se colocó a la altura de artistas hijos de MTV como Duran Duran y Wham!, en parte empujados por su apariencia física y su acento escandinavo.

Aprovechando el éxito del sencillo, A-Ha lanzó “Hunting High and Low”, que fue su primer LP y cuyas ventas en todo el mundo fueron altísimas.

Para su siguiente disco la situación de éxito fue inversa. Mientras que en Inglaterra era número 1, en Estados Unidos “The Sun Always Shines On TV” se quedó entre las 20 más populares. Entonces el grupo salió de gira y empezó a colocar éxitos en las listas inglesas como “ Train Of Thought”, “ Hunting High And Low”, “ I’ve Been Losing You” y “ Cry Wolf”.

El suceso de su gira mundial se extendió a su segundo álbum “Scoundrel Days”, que se puso a la venta en octubre de 1986. Musicalmente, A-Ha le bajó el volumen al sintetizador y agregó más músicos para un sonido pop más puro.

En 1987 compusieron el tema para la película de James Bond “The Living Daylights”, que llegó al número 5 en Inglaterra. Un año después pusieron a la venta “Stay On These Roads”, un álbum más maduro que seguía produciendo éxitos en Inglaterra.

En 1990 lanzaron “East of the Sun, West of the Moon” y en él incluyeron una versión propia del tema “Crying in The Rain” de los Everly Brothers. El disco vendió bien en todas partes, pero particularmente en Sudamérica en donde la popularidad del trío creció de manera significativa. Acabando de lanzar el segundo sencillo del disco, “I Call Your Name”, A-Ha se presentó frente a 200 mil personas en el festival “Rock in Río”.

Su disco de grandes éxitos “Headlines and Deadlines” fue puesto a la venta en 1991. Dos años después vendría “Memorial Beach” que no alcanzó el nivel de ventas al que se había acostumbrado el grupo.

En 1994 el panorama musical había cambiado. El pop no era el mismo, el hip-hop empezaba a tomar fuerza y la llegada de los géneros dance, trance y las fiestas raves hicieron que el disco no estuviera en sintonía con una nueva adolescencia. Entonces, el trío decidió apretar la tecla de pausa y dedicarse a proyectos individuales, al igual que a sus familias. Magne y Morten se fueron de vuelta a Noruega, mientras que Paul se fue a Estados Unidos.

Por otra parte, y en el plano más íntimo de A-Ha, las tensiones dentro de la banda se habían acumulado desde la grabación del sencillo “Shapes That Go Together”, lo que terminó por separarlos. Otro elemento que colaboró a la ruptura es que algunos ejecutivos de la disquera convencieron a Harket de que se separara del grupo, porque tenía más futuro en solitario.

La reunión del grupo se llevó a cabo en la entrega de los Premios Nobel de 1998. A-Ha se presentó esa noche en Oslo después de cuatro años de no tocar juntos. La experiencia les sentó bien y luego de reunirse en la casa de Paul decidieron volver a grabar nuevo material discográfico. En el año 2000 lanzaron “Minor Earth Major Sky”, una placa donde el grupo produjo 13 pistas inteligentes y musicalmente bien acabadas. El disco tuvo certificaciones de platino y oro en varios países, aunque el regreso a Estados Unidos siguió postergado.

Las giras incluyeron todos los festivales de verano de Europa, y conciertos a reventar en Alemania y Japón.

Este nuevo éxito llevó a A-Ha a grabar “Lifelines” en 2002, un disco en el que adquieren un sonido más moderno y contemporáneo. A ese álbum le siguió “Analogue” en 2005, que llegó como una manera de celebrar los 20 años del número uno de “Take On Me” y una forma de retomar la senda de su propio estilo.

A finales de marzo de 2009 A-ha viajó a Sudamérica para dar tres conciertos en el que ofrecieron una avance de su próximo trabajo. Tocaron las dos que ya se conocían del concierto en el Royal Albert Hall y mostraron la canción «What There Is». Hasta abril no se volvió a saber nada del álbum, cuando el día 24 lanzaron en Internet y en las radios noruegas el primer sencillo «Foot of the Mountain». Poco después se comercializó la canción y se dio a conocer que el álbum saldría en junio del mismo año.

«Foot of the Mountain» se lanzó en junio de 2009 en Europa y en julio en el Reino Unido, donde ingresó en el puesto Nº 5 de las listas. Además, el álbum estuvo situado en el Nº 1 de la listas de descargas de iTunes en Alemania. El álbum supuso el regreso a los orígenes de A-ha, con el estilo y elementos que definieron a la banda en sus primeros años. Cuatro días después de su lanzamiento en Noruega, se registraron 30.000 copias vendidas y el álbum consiguió un disco de platino.

El 15 de octubre de 2009, a través de su web oficial, el grupo anunció su decisión de terminar A-ha definitivamente y celebrar los 25 años de carrera del trío con una gira de despedida en el 2010.

Sin embargo, y luego de una segunda pausa de varios años, el próximo 4 de septiembre de 2015 se producirá el lanzamiento del nuevo álbum de estudio «Cast in Steel«. Con nuevo material, el grupo se presentará en el Estadio Luna Park de Buenos Aires (Argentina) el 24 de septiembre, en el marco de la gira que realiza para celebrar su 30° aniversario.

A-Ha nunca ha sido uno de esos grupos cuya preocupación primaria es estar a la moda. De todas maneras, se han dedicado a evolucionar hasta crear música bien producida cuyo resultado, claro está, son canciones memorables.

 Escuchar on-line >> A-ha, «The Sun Always Shines on TV»

Formatos de compresión de audio

La música ha acompañado nuestras vidas desde que la historia tiene memoria. Sin bien hoy en día existen cientos de diferentes géneros y estilos musicales, el objetivo siempre ha sido el mismo: el disfrute del oyente. La llamada «era de la información«, en la que vivimos, no ha cambiado ese objetivo en absoluto; al contrario, lo ha maximizado. Esto se debe, en gran parte, a Internet. La red de redes ha hecho posible compartir todo tipo de datos, y el placer de escuchar música en nuestra computadora o dispositivo favorito no sería el mismo sin los formatos de compresión de audio.

La música en formato digital ocupa mucho espacio de almacenamiento en los discos duros de nuestros sistemas informáticos. Y así como día a día crecen las bibliotecas de audio digital, en su momento fue necesario recurrir a un algoritmo de compresión para reducir el tamaño de los archivos, y de esa manera poder enviar y compartir música a través de Internet.

Pero antes de explicar en detalle cada formato, repasaremos algunos conceptos básicos. Al igual que en cualquier tipo de compresión de datos, existen dos grandes categorías donde podemos agrupar a los diferentes formatos de audio. La primera, denominada lossless, abarca a todos aquellos formatos que no pierden claridad ni calidad al comprimirse, pero que ocupan una mayor cantidad de espacio en el disco duro. La otra categoría, llamada lossy, engloba a aquellos formatos que (al comprimir el audio) sacrifican calidad por espacio en disco. No hace falta aclarar que los formatos del tipo lossy son los que más éxito han tenido, especialmente uno que todos conocen: el MP3.

Sin embargo, algunos formatos lossless son muy utilizados por técnicos de sonido y entusiastas de la alta fidelidad. En la compresión de sonidos se deben tener en cuenta dos cosas. Una de ellas es el tiempo de muestreo, que almacena la tensión del audio en intervalos regulares como, por ejemplo, 44.100 veces por segundo para un CD. La resolución en que se almacena ese tiempo de muestreo es el segundo punto por considerar, que puede ser, por ejemplo, de 16 bits.
La técnica más utilizada para realizar algoritmos lossy de compresión de audio es la llamada perceptual noise shaping, que se basa en las limitaciones del oído humano para eliminar aquellas partes que sean innecesarias. En cambio, los algoritmos lossless generalmente utilizan aquellos presentes en los formatos de compresión de datos ZIP y GZIP, pero optimizados para comprimir audio.

En sucesivas entradas de este blog iremos explicando en detalle los distintos formatos de compresión de audio. Primero los lossless (APE, TTA y FLAC) y luego los lossy (MPC, OGG y MP3) para terminar la serie de notas con una comparativa entre CD y MP3.

Si eres entusiasta del sonido, no te lo pierdas. 🙂

Savage Garden >> «Savage Garden» (1997)

Tras la publicación del álbum debut con su mismo nombre, el dúo de Brisbane fue el primer grupo australiano en alcanzar lo más alto de las listas de sencillos y álbums en su propio país. Con sus himnos de pop con sintetizadores de aire retro, Savage Garden no tardó en llegar al éxito internacional gracias, en parte, a una extraordinaria difusión radiofónica.

Comparado con Roxette y Duran Duran, Savage Garden no obtuvo el beneplácito de la crítica tras la publicación de su primer disco. No obstante, el grupo se hizo con una amplia base de seguidores gracias a muy buenos temas como «To the Moon and Back» y el Nº 1 en Estados Unidos «Truly Madly Deeply«.

Al mes siguiente de la publicación del disco, las ventas empezaron a dispararse gracias a que Rosie O’Donnell empezó a poner el tema «I Want You» en su programa de televisión, para poco después invitar al dúo para una actuación acústica.
Con un carácter de pop melódico con ritmos pegadizos, Savage Garden tenía el atractivo de la pasión vocal de su cantante Darren Hayes y la limpia producción de Charles Fisher, que ya había trabajado con Air Supply. «Savage Garden» fue muy popular en Estados Unidos y en el Reino Unido, pero lo fue aún más en Australia, donde permaneció durante 19 semanas seguidas en lo más alto de las listas de éxitos.

«Savage Garden» se publicó en abril de 1997 y vendió casi 8 millones de copias. Está en el puesto Nº 64 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90’s.

Contenido del disco:

1) To the Moon and Back
2) I Want You
3) Truly Madly Deeply
4) Tears of Pearls
5) Universe
6) Carry on Dancing
7) Violet
8) Break Me Shake Me
9) A Thousand Words
10) Promises
11) Santa Monica

 Escuchar on-line >> Savage Garden, «To the Moon and Back»

Louis Armstrong >> biografía

Louis Armstrong es probablemente la figura más reverenciada del jazz, tanto por músicos interesados por sus contribuciones al lenguaje musical, como por el gran público, deseoso de ídolos y entretenimiento.

Armstrong fue uno de los primeros solistas importantes del jazz. Algunos lo consideran el inventor del swing, aquel ingrediente necesario sin el cual el jazz no significa nada. Su estilo en la trompeta fue un punto de partida para toda una evolución posterior, no sólo en su instrumento, sino también en el lenguaje musical y en lo expresivo. Poseedor de una personalidad enormemente magnética, de una de las voces más personales jamás oídas y una sonrisa tan amplia como su corazón, Armstrong se transformó en un ícono del afecto popular.

Louis Armstrong nació el 4 de agosto de 1901 en Nueva Orleans, EE.UU., en una familia extremadamente pobre. Su padre los abandonó poco después de su nacimiento y fue criado por su madre, Mary, y su abuela materna. Tuvo que trabajar desde muy pequeño para ayudar en la economía familiar, vendiendo carbón, como diariero o changarín, o en un depósito de chatarra. Fue precisamente el dueño de ese depósito quien le ayudó a comprarse una corneta, a la cual comenzó a arrancarle sonidos sin maestro alguno.

A los doce años fue enviado al reformatorio Colored Waif’s Home for Boys, por disparar una pistola al aire en una fiesta de año nuevo. En esa escuela tuvo su primera educación musical. A los dos años salió y comenzó a cantar y tocar en la calle por monedas y luego en los locales de diversión nocturna de Storyville, el barrio del placer de Nueva Orleans. Sus movimientos por la ciudad le hicieron empaparse de la música que se tocaba en bares y en las bandas de vientos que acompañaban desfiles y funerales.

Pronto comenzó a hacerse notar como prodigio por su destreza con la trompeta y con la voz, y a captar la atención de otros músicos mayores que veían en él un potencial fuera de lo común. Fue Joe «King» Oliver, uno de los más destacados trompetistas de la ciudad, solista de la orquesta de Kid Ory, quien lo tomó como protegido. También entonces adquirió su sobrenombre «Satchmo» proveniente de «satchel mouth» (algo así como «boca en forma de bolsa»). Cuando en 1918 Oliver formó su propia banda y se mudó a Chicago, la ciudad que entonces comenzaba a magnetizar a los músicos de jazz, el joven Armstrong se transformó en uno de los solistas-estrella de la orquesta de Ory. Fue en esa banda que Armstrong comenzó a formarse como profesional, a leer música y a tocar con otros músicos destacados, desarrollando y enriqueciendo sus habilidades.

En 1922 King Oliver lo llamó para integrar su orquesta en Chicago, con lo cual la banda pasó a tener dos trompetistas-estrella. En 1924 se mudó a Nueva York para tocar en la orquesta de Fletcher Henderson, realizando también grabaciones con Sidney Bechet y Bessie Smith. En 1925 regresó a Chicago y comenzó a realizar grabaciones como líder con sus Hot Five y Hot Seven en el legendario sello Okeh (hoy en el catálogo de Sony), para luego ingresar en los primeros lugares de venta de discos con temas como «Big Butter and Egg Man», «Hotter than That» y «West End Blues», y a aparecer como figura en musicales como Hot Chocolate, en su interpretación de «Ain’t Misbehavin'», cuya grabación también subió a los primeros puestos. A partir de allí transformó su carrera en un desfile de éxitos: «All of Me», «Body and Soul», «I’m in the Mood for Love», «When the Saints Go Marching in», todos presentados en giras por Estados Unidos y Europa.

Luego de la Segunda Guerra, cuando el formato de orquesta comenzó a decaer a favor de grupos más pequeños, formó sus All-Star y, si bien no se plegó a la nueva tendencia del be-bop, continuó con sus éxitos dentro de un numeroso público que tampoco era muy afecto a los nuevos experimentos, forjándose a partir de aquí su imagen mítica.

En los años 50’s realizó grabaciones con Ella Fitzgerald que se convirtieron en clásicos. A principios de los 60’s grabó dos álbumes con Duke Ellington y en 1964, en medio del aluvión rockero, logró un resonante éxito con «Hello Dolly», que se convirtió en Nº 1 de los charts de ventas, llevando al oro al álbum que lo contenía y valiéndole un premio Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina. Cuatro años más tarde volvió al éxito con «What a Wonderful World», tema que tuvo un resurgimiento post mortem en 1987 al aparecer en el film Good Morning Vietnam. En 1969 apareció en la película Hello Dolly, interpretando el tema a dúo junto a Barbra Streisand. Comenzó a presentarse menos frecuentemente debido a su delicada salud. Murió en Nueva York el 6 de julio de 1971.

Los teóricos del jazz afirman que su aporte sólo ahora comienza a ser entendido como vital dentro del desarrollo del lenguaje. En relación a su instrumento, los trompetistas que lo precedieron tendían a improvisar en frases cortas, dividiendo el compás con notas rápidas. Él comenzó a tocar melodías de un mayor lirismo, estirando algunas notas por encima de dos o más compases, repitiendo otras insistentemente, incorporando el lenguaje del blues en una forma que preanunció los fraseos del be-bop que surgiría recién 20 años después.

En relación a su voz, la mejor referencia sin duda es escucharlo, porque la originalidad de su tono ronco y grave ha sido tan grande, que casi no tuvo imitadores.

 Escuchar on-line >> Louis Armstrong, «What a wonderful world»

Second Hand Songs, una base de datos de covers

Comenzamos a partir de este post a conocer algunos sitios Web de utilidad, y para esta primera entrega escribiré sobre Second Hand Songs (en español: «Canciones de segunda mano»), una magnífica base de datos de covers. Este proyecto fue fundado a principios de 2003 por Bastien De Zutter, Mathieu De Zutter y Denis Monsieur, y funciona gracias al trabajo de un grupo de gente fanática de los covers. Para que tengan una idea, tiene 25 editores activos de diversas nacionalidades como Bélgica, Italia, Inglaterra, Estados Unidos, Brasil, Francia, Holanda y Alemania. En este momento la base de datos cuenta con más de 300.000 canciones y casi 80.000 artistas, entre músicos y compositores, que podemos consultar.

La estructura de la Web es muy simple y la navegación por el sitio es sencilla y amena. En el centro de la página encontraremos el campo de búsqueda (Discover), donde podremos realizar búsquedas en la base de datos de canciones, artistas, y más. Desde el menú superior es posible explorar el contenido del sitio (Explore) e ingresar al foro de discusión (Discuss). Más abajo podremos ver las últimas noticias publicadas, las últimas canciones subidas, los últimos vídeos y efemérides del día. Al pie de la página encontraremos una Wiki con guías de ayuda (Introduction to the database) y respuestas a las preguntas más frecuentes (Frequently Asked Questions). Además, es posible loguearse con una cuenta de Facebook, Google o Discogs.

En la búsqueda avanzada tenemos la posibilidad de buscar canciones por artista (Artist), nombre de la canción (Song), versión, sello discográfico (Label), adaptación, etc. Pero veamos un ejemplo: si ingresamos Bryan Adams al campo de búsqueda y hacemos clic en el botón «Go» vamos a obtener la siguiente información:

– Bryan Adams nació el 5 de noviembre de 1959 en Canadá.

– Tiene 15 canciones originales de las cuales se han hecho covers. Ingresando en cada canción podremos conocer el año de publicación, los compositores y el nombre del artista (grupo o solista) que realizó el cover, junto al año de realización.

– Bryan Adams realizó 21 covers de canciones de otros artistas. Aquí podremos ver el título de la canción, el año de realización del cover y el nombre del artista original (grupo o solista) que compuso la canción.

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Earth, Wind & Fire >> «All ‘n All» (1977)

La repentina muerte de su lugarteniente musical, Charles Stepney, obligó al líder de Earth, Wind & Fire, Maurice White, a replantearse la banda para el disco «All ‘n All«. Ausente Stepney, que había hecho los arreglos y coproducido todos los éxitos del grupo hasta entonces, White hizo que Joe Wisser, asociado desde hacía largo tiempo a la banda, coprodujera el disco y comenzara a buscar ayuda fuera de Earth, Wind & Fire. El resultado fue su primera colaboración con el (en ese momento) prometedor arreglista y compositor David Foster.

Foster, que posteriormente llegaría a coescribir para el grupo «After Love Has Gone», canción que ganaría un Grammy, fue llamado como arreglista para «Fantasy«. Aunque sólo se trató de un éxito modesto, «Fantasy» fue un indicio de hacia dónde apuntaba ahora el grupo.

«Serpentine Fire» les proporcionó un nuevo Nº 1 en las listas de rhythm & blues, al igual que la balada «I’ll Write a Song For You». El hecho de que White escribiera el disco tras unas vacaciones en Brasil es evidente en una serie de interludios titulados «Brazilian Rhyme», mientras que la mezcla de «Runnin'» fue lo bastante buena como para ganar el Grammy al mejor rhythm & blues instrumental en enero de 1979, exactamente un año después de que el disco alcanzara el Nº 3 en las listas norteamericanas.

«All ‘n All« fue publicado en noviembre de 1977 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto Nº 68 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70’s.

Contenido del disco:

1) Serpentine Fire
2) Fantasy
3) In The Marketplace (interlude)
4) Jupiter
5) Love’s Holiday
6) Brazilian Rhyme (Beijo)
7) I’ll Write a Song For You
8) Magic Mind
9) Runnin’
10) Brazilian Rhyme (Ponta de Areia)
11) Be Ever Wonderful

 Escuchar on-line >> Earth, Wind & Fire, «Fantasy»