Cat Stevens >> «Tea for the Tillerman» (1970)

«Tea for the Tillerman« fue la compleción de lo vislumbrado en el álbum de regreso de Cat Stevens, «Mona Bone Jakon«, y lo consagró como uno de los mayores talentos británicos. El disco fue distribuido por Mobile Fidelity Records.
Tras un vacío en su carrera desde finales de los años 60’s, tras haber contraído una tuberculosis, Cat Stevens regresó en perfecta sincronía a comienzos de la década siguiente, justo cuando el movimiento de los cantautores estaba tomando impulso.

La canción que abre el disco, «Where Do The Children Play?», señaló la nueva dirección de Stevens. Aparentemente se trata de un tema pop, pero si se estudia con más detalle pone de manifiesto las preocupaciones del artista sobre el precio que estaba pagando la sociedad por el progreso y la técnica. «Wild World«, su primer sencillo en el Top 20 de Estados Unidos, llegó al puesto Nº 11 y le dio un nuevo giro a las canciones de ruptura. Por otro lado, «Father And Son» muestra al autor en una conversación intergeneracional.

Paul Samwell-Smith, ex Yardbird, proporcionó una producción suave y amable, que permitió que las canciones de Stevens respiraran. Urgido por el éxito de «Wild World», el álbum tardó cinco meses tras su publicación en alcanzar el puesto Nº 8 en Estados Unidos, permaneciendo en las listas durante 79 semanas. En Inglaterra, en cambio, sólo llegó a un modesto Nº 20.

Las canciones de este álbum han sido cantadas por artistas de muy diverso tipo, desde Mr. Big, Domino y Maxi Priest («Wild World») hasta Boyzone («Father And Son»), quienes han convertido los clásicos de Stevens en algunos de los mejores covers de la música internacional.

«Tea for the Tillerman» fue publicado en noviembre de 1970 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto Nº 92 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70’s.

Contenido del disco:

1) Where Do The Children Play?
2) Hard Headed Woman
3) Wild World
4) Sad Lisa
5) Miles From Nowhere
6) But I Might Die Tonight
7) Longer Boats
8) Into White
9) On The Road To Find Out
10) Father And Son
11) Tea For The Tillerman

 Escuchar on-line >> Cat Stevens, «Wild World»

Carly Simon >> biografía

Carly Simon fue una de las artistas llamadas «confesionales», por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70’s.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años 60’s ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: «Winkin’ Blinkin’ and Nod».

Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.

Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, «That’s The Way I’ve Always Heard It Should Be» y «Anticipation», se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado «Carly Simon«, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90’s se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

«No Secrets«, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue «Top Ten Hotcakes«, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó «Haven’t Got Time for the Pain» que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

«Playing Possum« de 1975 y «Another Passenger« de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. «Nobody Does It Better» vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.

«Boys in the Trees«, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos, «Spy« de 1979 y «June« de 1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Oscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado «My Romance«. Seis meses después puso a la venta «Have You Seen Me Lately?« en el que todo el material era original.

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

 Escuchar on-line >> Carly Simon, «Coming Around Again»

Faith Hill >> «Breathe» (1999)

Después de haber explorado algunos de los terrenos del pop con su tercer disco, la estrella del country Faith Hill se metió de lleno en el género para grabar «Breathe» sin llegar a perder las riendas de la creatividad en ningún momento y poniendo como tema central del disco el amor.

De hecho, cinco de los trece cortes del disco contienen palabras de amor en el título, desde el festivo «I Got My Baby» y el alentador «The Way You Love Me», con armonías muy pegadizas, hasta el triste «Love Is a Sweet Thing». El cambio en la concepción de las letras obedece en gran medida a su matrimonio con Tim McGraw, auténtico ídolo del country, y a la llegada al mundo de su segundo hijo.

«Breathe» es una suave mezcla de rock, pop, rhythm & blues y gospel con un toque de country para contentar a su base de seguidores. El disco llegó rápidamente al Nº 1 del top 200 de Billboard y ganó tres premios Grammy el año siguiente, haciéndose acreedor del premio al Mejor Disco de Country, la Mejor Interpretación Femenina de Country, y la Mejor Colaboración Vocal de Country gracias al dueto con su marido en «Let’s Make Love».

«Breathe» fue publicado en noviembre de 1999 y vendió más de 8 millones de copias. Está en el puesto Nº 57 entre los 100 discos más vendidos de los años 90’s.

Contenido del disco:

1) What’s In It For Me
2) I Got My Baby
3) Love Is a Sweet Thing
4) Breathe
5) Let’s Make Love – Hill, Faith & Tim McGraw
6) It Will Be Me
7) Way You Love Me
8) If I’m Not In Love
9) Bringing Out The Elvis
10) If My Heart Had Wings
11) If I Should Fall Behind

 Escuchar on-line >> Faith Hill, «Breathe»

Def Leppard >> «Hysteria» (1987)

Def Leppard había saboreado ya la experiencia de ser una superestrella del rock, aunque circunscrita a Estados Unidos, con la publicación de su álbum de 1983 «Pyromania«. Sin embargo, los planes para seguir construyendo su éxito fueron por lo menos problemáticos.

Robert John «Mutt» Lange rechazó una oferta para producir el siguiente álbum y decidió tomarse un descanso después de la grabación de «Heartbeat City«, de The Cars. En su lugar, Def Leppard trabajó con Jim Steinman y empezó a grabar temas en Holanda, en 1984, antes de decidir que el estilo del producto no era el apropiado para su música. A sugerencia de Lange, el grupo volvió sus pasos entonces hacia Nigel Green, que había sido el ingeniero de su segundo álbum, «High’n’ Dry«.

Más adelante, en la nochevieja de 1984, el baterista Rick Allen perdió su brazo izquierdo en un accidente de auto. Logró aprender a utilizar un equipo de batería adaptado para él, y volvió a unirse con Def Leppard en el estudio en 1985. Lange regresó al escenario, pero se sintió insatisfecho con las nuevas grabaciones. Se volvió, por tanto, a empezar de nuevo, casi desde cero.

Se continuó la grabación del nuevo disco durante todo el año 1986. Finalmente, «Hysteria» fue publicado en 1987, pero las ventas iniciales fueron lentas y el primer sencillo, «Women», no logró clasificarse en las listas. La suerte cambió con la publicación de «Animal», el segundo de los siete sencillos que se publicaron del álbum. En Estados Unidos, «Love Bites» arrasó y llegó al N° 1 en la lista de sencillos.

“Hysteria” se publicó en julio de 1987 y vendió más de 12 millones de copias. Está en el puesto Nº 10 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80’s.

Contenido del disco:

1) Women
2) Rocket
3) Animal
4) Love Bites
5) Pour Some Sugar On Me
6) Armageddon It
7) Gods Of War
8) Don’t Shoot Shotgun
9) Run Riot
10) Hysteria
11) Excitable
12) Love And Affection

 Escuchar on-line >> Def Leppard, «Love Bites»

Huey Lewis and The News >> biografía

Huey Lewis and The News es una banda de bar a la que le fue realmente muy bien. Con un rock & roll simple y directo e inspirados en las bandas de bar inglesas y en la música de los años 60’s, la banda originaria de San Francisco, Estados Unidos, se convirtió en uno de los grupos más notorios de los 80’s.

Con canciones como «Workin’ for a Livin’,» «I Want a New Drug,» «The Heart of Rock & Roll,» «Hip to Be Square» y «The Power of Love» se convirtieron en el icono cultural de los yuppies por sus letras que ensalzaban la realidad de los trabajadores de oficina y sus aficiones deportivas.

A medida que los 80’s avanzaban, las letras se hacían más sencillas para acercarse a un público más viejo que decidió adoptarlos, pero al inicio de los años 90’s la fórmula mágica se había acabado. Sin embargo, el grupo se mantuvo como un espectáculo digno de ser visto y con una producción que regularmente llegó a las estaciones del adulto contemporáneo.

Las raíces de la banda están en el grupo Cover, una formación country que formaron Lewis (Joeish Hugh Cregg III) y el tecladista Sean Hopper al regreso de Lewis de un viaje de mochilero por Europa en 1972.

El número fue descubierto por un productor inglés, Nick Lowe, en un club nocturno californiano en 1976. Lowe tenía la idea de que el grupo podía ser un suceso en los bares ingleses. Ahí lograron una pequeña audiencia cautiva y, a partir de ese éxito, intentaron con un primer sencillo («Chicken Funk») en el que Lewis hacía la voz principal. Al año siguiente, la banda (sin Lewis) hizo de soporte para Elvis Costello en la grabación del álbum debut del artista.

En medio de la fiebre punk, Polygram lanzó dos álbumes de Clover que nunca encontraron alguien que los escuchara. Además, John McFee, el líder de la banda, se fue a tocar con los Doobie Brothers. Ese fue el final del grupo y todos volvieron a California. Pero antes de partir, Lewis tocó la armónica en un disco de Lowe y cantó «Bad Is Bad».

A su regreso a Estados Unidos, Lewis y Hopper empezaron a improvisar en un bar de San Francisco. Allí formaron una banda llamada American Express con Mario Cipollina en el bajo, Johnny Colla en el saxofón y la guitarra, y Bill Gibson en la batería. El grupo grabó un sencillo con Mercury Records que fue ignorado. En 1980 se agregó el guitarrista Chris Hayes y lograron un contrato con el sello Chrysalis, que además pidió que se le cambiara el nombre a la banda. Escogieron llamarse Huey Lewis & The News e inmediatamente empezaron a trabajar en su primer disco que se llamó igual que la banda y fue un fracaso…

Sin embargo, sin desanimarse, en 1982 grabaron «Picture This«, su segundo disco, que produjo el éxito «Do You Believe in Love» que llegó al Top Ten, y además tuvo dos éxitos menores con «Hope You Love Me Like You Say You Do» y «Workin’ for a Livin'». Esto sirvió para crear una base de seguidores importante que hizo presión para el tercer álbum: «Sports«.

El disco fue un éxito completo desde su salida a finales de 1983. Lento pero seguro, el álbum se convirtió en un multiplatino empujado por la nueva cultura del vídeo que venía de la mano de MTV. «Heart and Soul», «I Want a New Drug», «The Heart of Rock & Roll» y «If This Is It» dominaron las listas durante 1983 y 1984 llegando al Top Ten. El disco fue número uno y llegó a vender 7 millones de copias.

A finales de 1984 Lewis demandó a Ray Parker Jr. acusándolo de plagiar «I Want a New Drug» en el tema principal de la película «Los Cazafantasmas». El asunto se arregló fuera de la corte.

Un año después vino el primer Nº 1 de la banda con «The Power of Love«, que fue el tema principal de la película «Volver al Futuro».

En 1986 publican «Fore!«, su cuarto disco, que produce 5 sencillos que llegan al Top Ten, dos de los cuales fueron número uno: «Stuck With You» (Nº 1), «Hip to Be Square» (Nº 3), «Jacob’s Ladder» (Nº 1), «I Know What I Like» (Nº 9), y «Doing It All for My Baby» (Nº 6).

Con un nombre consolidado y con dos álbumes que produjeron éxitos a raudales, el grupo decidió ampliarse musicalmente con el disco «Small World» de 1988. En él, exploran varios ritmos musicales de los Estados Unidos. De ese disco salió «Perfect World» que llegó al Top Ten, pero el disco no logró los niveles de venta que habían tenido sus predecesores y eso generó algo de decepción.

El grupo se tomó 3 años para sacar «Hard at Play» con su nueva disquera EMI. El disco no llegó a los 20 más importantes y produjo un éxito menor que fue «Couple Days Off». Eso sirvió para darse cuenta que los tiempos de oro se habían terminado y lo tomaron con calma.

Desde entonces se dedicaron a hacer giras esporádicas, grabaron «Four Chords & Several Years Ago» en 1994, un disco orientado al mercado del adulto contemporáneo y plagado de covers. Fue una adaptación natural del grupo a los gustos de la audiencia, pero también un regreso a su propio estilo. Éste, además, sería el último álbum que grabara el bajista Mario Cipollina, que luego de la gira del disco abandonó la banda.

El primer álbum de la banda con material nuevo no llegó hasta el año 2001. Fue producido por la discográfica Jive Records, y titulado «Plan B«. Este sería el último álbum que grabaría como miembro de la banda el guitarrista Chris Hayes. El álbum es una colección de canciones que la banda había disfrutado tocando en conciertos, y con las que obtuvieron algunas de las mejores críticas de su carrera. El álbum solo rozó ligeramente las listas, siendo el single principal «Let Her Go & Start Over» el que provocó más interés.

El último álbum de estudio del grupo hasta el momento, «Soulsville«, salió al mercado en 2010 con el sello discográfico W.O.W. Records. Es un disco de homenaje al soul de Stax Records que se grabó en los Ardent Studios de Memphis, Tennessee.

 Escuchar on-line >> Huey Lewis & The News, «Stuck With You»

Bonnie Tyler >> biografía

Nacida en 1951 en Gales, Reino Unido, bajo el nombre de Gaynor Hopkins, creció en un hogar de clase trabajadora de seis hermanos. Es hija de un padre minero y de una madre amante de la ópera que le transmitió su amor por la música. Desde chica escuchó a Janis Joplin y a Tina Turner, a quienes encontró como sus referencias.

Cuando tenía 17 años, en 1970, siendo Gaynor Hopkins entró a un concurso de talentos y cantó una canción que había sido interpretada años antes por una artista del mismo apellido, Mary Hopkins. Cantó “Those Were The Days” y quedó en segundo lugar, detrás de una cantante profesional.

Sus primeros pasos como cantante fueron en un grupo llamado Bobby Wayne and the Dixies del que formó parte dos años. luego de ser escogida en una audición. Después se iría para formar su propio grupo, Imagination, con el que se dedicaría a cantar por los bares del sur de Gales por casi 10 años.

En 1975 cambió su nombre artístico por Bonnie Tyler y grabó su primer sencillo para RCA llamado “My My Honeycomb” que no logró llegar a las listas. La canción nunca fue del agrado de la artista y aunque muchos de sus admiradores buscan el maxi para escucharla antes de su operación de garganta, la tarea se ha hecho imposible.

Su segundo sencillo, “Lost in France” (1976), demostró como una letra casi sin sentido podía tener un poder increíble interpretada por la voz correcta. La canción llegó al puesto Nº 10 en las listas británicas y cuando entró a Europa la popularidad del tema no hizo más que aumentar al punto que hoy es uno de sus clásicos.

Las presentaciones en los bares ingleses le trajeron mucha suerte a Tyler. Fue allí donde conoció a su marido, con quien aún está casada, y fue en uno de ellos también donde la vieron los productores Roonnie Scott y Steve Wolfe, quienes asumieron su representación durante seis años y actuaron como sus compositores y productores entre 1976 y 1981.

En 1976 Tyler tuvo que someterse a una operación de garganta para eliminar unos nódulos que ya le impedían cantar. El resultado de la intervención tuvo un impacto serio en su carrera en la medida en que su voz se volvió más tosca y se acercó al tono de artistas como Tina Turner o Kim Carnes, con quien permanentemente era comparada, además de recibir el apodo de “la Rod Stewart femenina”.

El éxito alcanzado con «Lost in France» le permitió a Tyler grabar su primer LP en 1977. El álbum, “The World Starts Tonight”, apenas tuvo un éxito moderado, pero facilitó las cosas para una gira europea.

Su nueva voz carrasposa le daba la sensación de que su carrera se había terminado, pero su siguiente sencillo “It’s a Heartache” le probó lo equivocada que estaba. Contenido en su segundo LP llamado “Natural Force”, el tema llegó al puesto Nº 4 en Inglaterra, Nº 5 en Estados Unidos y Nº 1 en el resto de Europa. Esto le abrió el mercado norteamericano de par en par. El disco llegó a vender más de seis millones de copias y es, hasta la fecha, el más importante de su carrera.

Más aún, la canción “Sitting on the Edge of the Ocean”, escrita también por Scott y Wolfe, la llevó a ganar el premio Yamaha en Tokio, Japón. Ahora estaba en todas las listas y era una artista de la que se esperaba sólo lo mejor. Sin embargo, las cosas no marchaban como ella quería. Su siguiente maxi fue “Married Man”, que apenas llegó al Nº 35 en las listas inglesas y era resultado de una aparición en una película.

Sus dos últimos discos para RCA, “Diamond Cut” y “Goodbye to The Island”, eran más discos de country que de una artista cuyas referentes eran Janis Joplin y Tina Turner. Estaba a punto de firmar su segundo contrato con Scott y Wolfe cuando se dio cuenta de que las cosas no marchaban en la dirección que ella quería y en ese momento su carrera tuvo un giro importante justo antes de enterrarse más en el country.

En 1982 firmó con CBS. Como resultado vino su disco “Faster Than the Speed of Night” (1983), escrito por Jim Steinman (quien produce a Meat Loaf), y que estuvo en la cima de las listas de todo el mundo por semanas. De hecho Bonnie Tyler se convirtió en la primera mujer en lograr que un álbum llegara directamente al primer lugar en el Reino Unido.

El disco es reconocido por los conocedores del rock como una obra maestra con claras influencias clásicas. Por un lado el canto era casi de ópera, en tanto que en lo musical su explosividad recordaba a Tchaikovsky. “Total Eclipse of The Heart” le valió la nominación al Grammy como mejor cantante femenina y el disco al de mejor álbum, y ambos premios fueron para ella.

La canción, en cuestión de semanas, había subido a la cima de la popularidad desplazando a “Billie Jean” de Michael Jackson. Durante las cuatro semanas que estuvo en el primer lugar bloqueó a «Making Love Out Of Nothing At All» de Air Supply y no la dejó pasar del segundo lugar. Lo irónico es que ambas canciones habían sido compuestas por Jim Steinman. El disco vendió 5 millones de copias.

En 1984 actuó en la ceremonia de los Grammy interpretando la canción que el año anterior la había hecho famosa, mientras era nominada por “Here She Comes”, un tema que formaba parte de la banda de sonido del clásico del cine Metrópolis, que había sido restaurada. Ese mismo año alcanzó otro éxito mayúsculo con el sencillo “Holding Out for a Hero”, de la banda de sonido de la película Footloose.

En 1985 vino “Making Love of Nothing at All”. El sencillo fue lanzado en Inglaterra a través de una presentación durante la transmisión de la lotería nacional. La aceptación de la gente fue maravillosa, pero a la hora de ir a las tiendas a conseguir los discos, se habían agotado. El resultado fue que la canción no entró en el Top 40 y por ende no tuvo la atención ni la rotación que merecía en las radios.

Le siguieron los álbumes “Secret Dreams and Forbidden Fire” (1986) y “Hide Youtr Heart” (1988), cuyos resultados no fueron necesariamente los mejores. En 1991 Bonnie Tyler grabó el disco “Bitterblue” que fue un éxito en Europa. Le siguieron “Angel Heart” (1992) y «Silhouette in Red«, de 1993, que barrieron por toda Europa.

La discografía de Bonnie Tyler continuó con los álbumes «Free Spirit» (1995), «All in One Voice» (1999), «Heart Strings» (2003), «Simply Believe» (2004) y «Wings» (2005).

Después de estos éxitos, sus conciertos han seguido congregando grandes cantidades de seguidores, pero sus discos han tenido una respuesta limitada. En 2006 Bonnie Tyler celebró 30 años de trabajo en la música con una gira llamada “Celebrate”, un sencillo llamado “Louise” y un DVD con sus presentaciones en vivo.

Desde entonces ha hecho varias apariciones en televisión, participó del Festival de la Canción de Eurovisión y realizó una gira por Sudáfrica. Su último álbum de estudio, «Rocks and Honey» fue lanzado en 2013.

 Escuchar on-line >> Bonnie Tyler, «It’s a Heartache»

Journey >> biografía

Aunque comúnmente desacreditados por los aficionados más serios a la música, los rockeros de Journey fueron una de las mejores bandas de finales de los años 70’s e inicio de los 80’s, cuando vendieron más de 40 millones de copias y más de 50 en la actualidad.

Journey tuvo su origen en 1973 en la ciudad de San Francisco (EE.UU.) cuando el ex manager de Santana formó el Golden Gate Rhythm Section. La formación inicial incluyó a los ex integrantes de la banda de Carlos Santana: Neal Schon (guitarra) y Gregg Rolie (teclado y voz), acompañados por Ross Valory (bajo), George Tickner (guitarrista) y Aynsley Dumbar (batería). La historia de la banda se extiende por un período de más de 30 años y 27 discos, incluyendo álbumes de estudio, en vivo y compilaciones.

Tickner fue reemplazado en 1975 por Steve Perry, dado que el primero decidió estudiar medicina en la Universidad de Stanford.

El nombre Journey fue adoptado para un concurso de bandas de una radio de San Francisco. Originalmente Journey tocaba música más instrumental hacia el lado del jazz/rock. Sin embargo, debido a la falta de éxito comercial de los álbumes “Journey” (1975), “Look Into The Future” (1976) y «Next» (1977), hizo que Herbert le pidiera a los músicos que se concentraran más en el lado suave del rock y el pop.

El escarabajo, icono que usa Journey para identificarse, está inspirado en el arte y religión egipcios por ser símbolo de autocreación, renacer, renovación, transformación y regeneración. El escarabajo ha evolucionado gráficamente en todos sus discos hasta convertirse en el sello distintivo.

El primer disco que salió bajo el nuevo estilo fue “Infinity”, en 1978, que se convirtió en su primer disco de platino empujado por el sencillo “Wheel in the Sky”. Al mismo tiempo empezó el hábito de Journey de llenar estadios. El nuevo estilo no le sentó bien al baterista Dumbar, que se marchó para Jefferson Starship. En su lugar llegó Steve Smith.

En 1979 la banda sacó “Evolution” y en 1980 “Departure” que se convirtieron en éxitos instantáneos y que fueron seguidos por el doble álbum en vivo “Captured”, que llegó al número 9 de las listas. Este último disco sorprendió a los críticos por el estilo rockero de las interpretaciones. Rolie se retiró de la banda y fue sustituido por el también tecladista Jonathan Cain que había tocado con los Babys.

Este fue un punto de inflexión para Journey pues con la entrada de Cain y el uso de colaboradores en sus composiciones, el grupo logró en 1981 su mayor éxito hasta hoy: “Escape”. El disco fue número 1 en la lista de los álbumes más vendidos y vendió más de 9 millones de copias apoyado en tres sencillos que estuvieron en el Top Ten: «Who’s Crying Now», «Don’t Stop Believin'» y «Open Arms». Dos años después vendría «Frontiers«, un disco que vendió 6 millones de copias, estuvo en el número 2 de las listas de ventas por nueve semanas y produjo dos éxitos: «Separate Ways (Worlds Apart)» y la balada «Faithfully«. A estos éxitos descomunales le siguió una gira a estadios llenos. Entonces el grupo decide descansar un tiempo y darle espacio a Steve Perry que quería lanzar un disco en solitario: “Street Talk”.

Journey volvió a grabar en 1985. En ese momento aparecieron las tensiones entre Steve Perry, Valory y Smith. Justo antes del lanzamiento de “Raised On Radio” (1986), que generó un nuevo éxito: “Be Good To Yourself”. Valory y Smith fueron despedidos por Perry y los sustituyeron con el bajista Randy Jackson y el baterista Larrie Londin.

El disco fue doble platino, pero no fue lo que la banda esperaba. La ruptura fue inevitable y en 1987 Journey se separó.

Casi 10 años después, en 1996, Perry, Schon, Smith, Cain y Valory se reunieron para sacar el disco “Trial by Fire” que entró a las listas en el número 3. Aunque fue un éxito entre una audiencia de mediana edad, los jóvenes ignoraron el disco. Un año después Deen Castronovo reemplazó a Smith y Steve Augeri entró en lugar de Steve Perry que enfrentaba problemas de salud.

La primera grabación de Augeri con Journey fue “Remember Me” para la banda de sonido de la película “Armageddon” que llegó a ser triple platino.

Su decimoctavo disco fue “Arrival”, en 2001, que vino acompañado de una gira por 56 ciudades del mundo. Ese mismo año Columbia Records sacó un disco de grandes éxitos que logró vender 8 millones de copias, mostrando la magnitud de la base de admiradores de Journey. A esa placa le siguieron «Revelation» en 2008 y «Eclipse» en 2011.

 Escuchar on-line >> Journey, «Faithfully»

Paul Simon >> «Graceland» (1986)

Paul Simon puso fin a un período de silencio de tres años con «Graceland«, una interesante exploración de la música sudafricana y las cuestiones políticas. Grabado en Londres, Los Angeles, Johannesburgo y Nueva York, el álbum incluyó a artistas muy dispares, tanto geográficamente como a lo que al estilo se refiere, como Ladysmith Black Mambozo, Los Lobos y Everly Brothers.

«Graceland« fue el disco en solitario de Simon de mayor éxito de ventas y merecedor de un segundo premio Grammy al Álbum del Año. Nueve de sus once canciones arrancan del mbaqanga, un extendido estilo de música popular de Sudáfrica. «Graceland« abarcó también el zydeco y el rock & roll. Su sonido innovador e híbrido tuvo un gran éxito y popularidad, lo que lo impulsó al Nº 1 en Inglaterra, una posición que mantuvo durante cinco semanas.

Aunque el álbum cosechó en su conjunto grandes éxitos, no llegó a tener ningún Nº 1 en las listas de sencillos. «You Can Call Me Al«, el sencillo que más se vendió, se colocó en el puesto Nº 23 en Estados Unidos.

«Graceland« se publicó en agosto de 1986 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto Nº 43 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80’s.

Contenido del disco:

1) Boy In The Bubble
2) Graceland
3) I Know What I Know
4) Gumboots
5) Diamonds On The Soles Of Her Shoes
6) You Can Call Me Al
7) Under African Skies
8) Homeless
9) Crazy Love Vol 2
10) That Was Your Mother
11) All Around The World Or The Myth Of Fingerprints

 Escuchar on-line >> Paul Simon, «You can call me Al»

Midnight Oil >> biografía

Midnight Oil saltó a la fama en el año 1987 gracias a su hit global, «Beds are Burning», un llamado de atención al mundo por la usurpación, por parte de diversas compañías, de tierras pertenecientes a los aborígenes australianos. Fue uno de los grandes temas de la década de los 80’s y una de las pocas canciones con temática política que también se podía bailar.

La carrera de Midnight Oil arranca en 1971, cuando algunos estudiantes se disponen a hacer ruido sin demasiado sentido. El hobby dura cuatro años bajo el nombre de «Farm», hasta que conocen a Peter Garrett, un extraño cantante, muy alto y con la cabeza rapada, quien les propone un curso de acción más interesante. El grupo cambia su nombre, pasa a llamarse Midnight Oil, y busca, sin suerte, un contrato profesional. Como les iba bien en los shows en vivo, editan su primer álbum en 1978 de manera independiente.

Tres años más tarde y con sus trabajos vendiendo de manera consistente, atraen la atención de Columbia Records que los ficha y los proyecta internacionalmente. En 1984 editan «Red Sails in the Sunset«, álbum con el que logran un éxito menor en el terreno internacional gracias al hit «When The Generals Talk». En ese mismo momento, INXS abre una ventana para la música australiana con su éxito internacional, y Midnight Oil supo aprovechar el hueco con «Diesel and Dust«, de 1987, al tiempo que su tema «Beds are Burning» alcanza el Top 20 en Estados Unidos. «The Dead Heart«, si bien logró un reconocimiento menor, sirvió también para cimentar su éxito.

Peter Garrett, en ese entonces, era un conocido líder ecológico en su tierra natal, y casi gana un lugar en el Senado. El disco de 1990 «Blue Sky Mining« continuó con la temática ambientalista, oponiéndose a las minas en cielo abierto. El reconocimiento mundial seguía firme. La presentación del grupo frente a las oficinas de la petrolera Exxon en Nueva York, para protestar por el derrame de petróleo en las costas de Alaska, llamó la atención mundial.

«Earth and Sun and Moon«, lanzado en 1993, fue uno de los mejores álbumes de la carrera de Midnight Oil, pero las ventas no fueron las mismas. Algo parecido sucedió con el álbum posterior, «Breathe« (1996). Su momento parecía haber pasado. Eso y el creciente interés de Peter Garrett por la política hicieron que Midnight Oil se separara en 2002.

Los integrantes de la banda, incluyendo a Garrett, se reunieron para participar en el concierto «WaveAid» el 29 de enero de 2005 con el fin de colectar fondos para las víctimas del Tsunami del 26 de diciembre de 2004 que asoló los países de la cuenca del Océano Índico nor-oriental. El concierto, que tuvo lugar en el estadio de Cricket de Sydney, también contó con la participación de Powderfinger, Silverchair, Nick Cave, el trío de John Butler, the Finn Brothers y otros. Aparte de otra corta presentación anterior en el club «Manly Leagues» el grupo no ha vuelto a tocar y no hay intenciones de reunificación.

 Escuchar on-line >> Midnight Oil, «The dead heart»

Dire Straits >> «Brothers in Arms» (1985)

Los Dire Straits estuvieron años construyendo su fama de músicos expertos, serios autores de canciones y soberbios artistas en el escenario. Pero todo ésto apenas sirvió para el impacto que produjo el disco «Brothers in Arms«, tanto para la carrera de la banda como en lo referente a su consideración entre el público. Impulsado por el éxito del Top 40 «So Far Away«, publicado anteriormente ese mismo año, el álbum fue platino en el Reino Unido y entró en las listas como el Nº 1, una posición que mantuvo durante tres semanas.

Gran parte del éxito comercial del disco se puede atribuir a la canción «Money For Nothing«, escrita por Mark Knopfler y Sting. Apoyado por un video de animación por computadora muy ingenioso, que garantizó su difusión masiva por los nuevos canales de música, el sencillo alcanzó el puesto Nº 1 en EE.UU. y el Nº 4 en el Reino Unido, ganó además un Grammy al Mejor Vídeo Musical y se convirtió en el sencillo de ventas millonarias del grupo.

Después vinieron otros éxitos, incluyendo «Walk of Life«, que alcanzó el Nº 7 en Estados Unidos y el Nº 2 en el Reino Unido. La canción «Brothers in Arms«, si bien con menor éxito en las listas, es recordada como el primer sencillo en CD de distribución comercial. Liderado por Mark Knopfler, a quien personalmente considero el mejor guitarrista de todos los tiempos, Dire Straits hizo historia con su álbum más exitoso.

«Brothers in Arms» fue publicado en mayo de 1985 y vendió 13 millones de copias. Está ubicado en el puesto Nº 9 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80’s.

Contenido del disco:

1) So Far Away
2) Money For Nothing
3) Walk of Life
4) Your Latest Trick
5) Why Worry
6) Ride Across the River
7) The Man’s Too Strong
8) One World
9) Brothers in Arms

 Escuchar on-line >> Dire Straits, «Walk of Life»