Carly Simon >> biografía

Carly Simon fue una de las artistas llamadas «confesionales», por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70’s.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años 60’s ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: «Winkin’ Blinkin’ and Nod».

Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman, quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.

Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, «That’s The Way I’ve Always Heard It Should Be» y «Anticipation», se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado «Carly Simon«, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90’s se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

«No Secrets«, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue «Top Ten Hotcakes«, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó «Haven’t Got Time for the Pain» que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

«Playing Possum« de 1975 y «Another Passenger« de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. «Nobody Does It Better» vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.

«Boys in the Trees«, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos, «Spy« de 1979 y «June« de 1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Oscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado «My Romance«. Seis meses después puso a la venta «Have You Seen Me Lately?« en el que todo el material era original.

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

 Escuchar on-line >> Carly Simon, «Coming Around Again»

Faith Hill >> «Breathe» (1999)

Después de haber explorado algunos de los terrenos del pop con su tercer disco, la estrella del country Faith Hill se metió de lleno en el género para grabar «Breathe» sin llegar a perder las riendas de la creatividad en ningún momento y poniendo como tema central del disco el amor.

De hecho, cinco de los trece cortes del disco contienen palabras de amor en el título, desde el festivo «I Got My Baby» y el alentador «The Way You Love Me», con armonías muy pegadizas, hasta el triste «Love Is a Sweet Thing». El cambio en la concepción de las letras obedece en gran medida a su matrimonio con Tim McGraw, auténtico ídolo del country, y a la llegada al mundo de su segundo hijo.

«Breathe» es una suave mezcla de rock, pop, rhythm & blues y gospel con un toque de country para contentar a su base de seguidores. El disco llegó rápidamente al Nº 1 del top 200 de Billboard y ganó tres premios Grammy el año siguiente, haciéndose acreedor del premio al Mejor Disco de Country, la Mejor Interpretación Femenina de Country, y la Mejor Colaboración Vocal de Country gracias al dueto con su marido en «Let’s Make Love».

«Breathe» fue publicado en noviembre de 1999 y vendió más de 8 millones de copias. Está en el puesto Nº 57 entre los 100 discos más vendidos de los años 90’s.

Contenido del disco:

1) What’s In It For Me
2) I Got My Baby
3) Love Is a Sweet Thing
4) Breathe
5) Let’s Make Love – Hill, Faith & Tim McGraw
6) It Will Be Me
7) Way You Love Me
8) If I’m Not In Love
9) Bringing Out The Elvis
10) If My Heart Had Wings
11) If I Should Fall Behind

 Escuchar on-line >> Faith Hill, «Breathe»

Huey Lewis and The News >> biografía

Huey Lewis and The News es una banda de bar a la que le fue realmente muy bien. Con un rock & roll simple y directo e inspirados en las bandas de bar inglesas y en la música de los años 60’s, la banda originaria de San Francisco, Estados Unidos, se convirtió en uno de los grupos más notorios de los 80’s.

Con canciones como «Workin’ for a Livin’,» «I Want a New Drug,» «The Heart of Rock & Roll,» «Hip to Be Square» y «The Power of Love» se convirtieron en el icono cultural de los yuppies por sus letras que ensalzaban la realidad de los trabajadores de oficina y sus aficiones deportivas.

A medida que los 80’s avanzaban, las letras se hacían más sencillas para acercarse a un público más viejo que decidió adoptarlos, pero al inicio de los años 90’s la fórmula mágica se había acabado. Sin embargo, el grupo se mantuvo como un espectáculo digno de ser visto y con una producción que regularmente llegó a las estaciones del adulto contemporáneo.

Las raíces de la banda están en el grupo Cover, una formación country que formaron Lewis (Joeish Hugh Cregg III) y el tecladista Sean Hopper al regreso de Lewis de un viaje de mochilero por Europa en 1972.

El número fue descubierto por un productor inglés, Nick Lowe, en un club nocturno californiano en 1976. Lowe tenía la idea de que el grupo podía ser un suceso en los bares ingleses. Ahí lograron una pequeña audiencia cautiva y, a partir de ese éxito, intentaron con un primer sencillo («Chicken Funk») en el que Lewis hacía la voz principal. Al año siguiente, la banda (sin Lewis) hizo de soporte para Elvis Costello en la grabación del álbum debut del artista.

En medio de la fiebre punk, Polygram lanzó dos álbumes de Clover que nunca encontraron alguien que los escuchara. Además, John McFee, el líder de la banda, se fue a tocar con los Doobie Brothers. Ese fue el final del grupo y todos volvieron a California. Pero antes de partir, Lewis tocó la armónica en un disco de Lowe y cantó «Bad Is Bad».

A su regreso a Estados Unidos, Lewis y Hopper empezaron a improvisar en un bar de San Francisco. Allí formaron una banda llamada American Express con Mario Cipollina en el bajo, Johnny Colla en el saxofón y la guitarra, y Bill Gibson en la batería. El grupo grabó un sencillo con Mercury Records que fue ignorado. En 1980 se agregó el guitarrista Chris Hayes y lograron un contrato con el sello Chrysalis, que además pidió que se le cambiara el nombre a la banda. Escogieron llamarse Huey Lewis & The News e inmediatamente empezaron a trabajar en su primer disco que se llamó igual que la banda y fue un fracaso…

Sin embargo, sin desanimarse, en 1982 grabaron «Picture This«, su segundo disco, que produjo el éxito «Do You Believe in Love» que llegó al Top Ten, y además tuvo dos éxitos menores con «Hope You Love Me Like You Say You Do» y «Workin’ for a Livin'». Esto sirvió para crear una base de seguidores importante que hizo presión para el tercer álbum: «Sports«.

El disco fue un éxito completo desde su salida a finales de 1983. Lento pero seguro, el álbum se convirtió en un multiplatino empujado por la nueva cultura del vídeo que venía de la mano de MTV. «Heart and Soul», «I Want a New Drug», «The Heart of Rock & Roll» y «If This Is It» dominaron las listas durante 1983 y 1984 llegando al Top Ten. El disco fue número uno y llegó a vender 7 millones de copias.

A finales de 1984 Lewis demandó a Ray Parker Jr. acusándolo de plagiar «I Want a New Drug» en el tema principal de la película «Los Cazafantasmas». El asunto se arregló fuera de la corte.

Un año después vino el primer Nº 1 de la banda con «The Power of Love«, que fue el tema principal de la película «Volver al Futuro».

En 1986 publican «Fore!«, su cuarto disco, que produce 5 sencillos que llegan al Top Ten, dos de los cuales fueron número uno: «Stuck With You» (Nº 1), «Hip to Be Square» (Nº 3), «Jacob’s Ladder» (Nº 1), «I Know What I Like» (Nº 9), y «Doing It All for My Baby» (Nº 6).

Con un nombre consolidado y con dos álbumes que produjeron éxitos a raudales, el grupo decidió ampliarse musicalmente con el disco «Small World» de 1988. En él, exploran varios ritmos musicales de los Estados Unidos. De ese disco salió «Perfect World» que llegó al Top Ten, pero el disco no logró los niveles de venta que habían tenido sus predecesores y eso generó algo de decepción.

El grupo se tomó 3 años para sacar «Hard at Play» con su nueva disquera EMI. El disco no llegó a los 20 más importantes y produjo un éxito menor que fue «Couple Days Off». Eso sirvió para darse cuenta que los tiempos de oro se habían terminado y lo tomaron con calma.

Desde entonces se dedicaron a hacer giras esporádicas, grabaron «Four Chords & Several Years Ago» en 1994, un disco orientado al mercado del adulto contemporáneo y plagado de covers. Fue una adaptación natural del grupo a los gustos de la audiencia, pero también un regreso a su propio estilo. Éste, además, sería el último álbum que grabara el bajista Mario Cipollina, que luego de la gira del disco abandonó la banda.

El primer álbum de la banda con material nuevo no llegó hasta el año 2001. Fue producido por la discográfica Jive Records, y titulado «Plan B«. Este sería el último álbum que grabaría como miembro de la banda el guitarrista Chris Hayes. El álbum es una colección de canciones que la banda había disfrutado tocando en conciertos, y con las que obtuvieron algunas de las mejores críticas de su carrera. El álbum solo rozó ligeramente las listas, siendo el single principal «Let Her Go & Start Over» el que provocó más interés.

El último álbum de estudio del grupo hasta el momento, «Soulsville«, salió al mercado en 2010 con el sello discográfico W.O.W. Records. Es un disco de homenaje al soul de Stax Records que se grabó en los Ardent Studios de Memphis, Tennessee.

 Escuchar on-line >> Huey Lewis & The News, «Stuck With You»

Bonnie Tyler >> biografía

Nacida en 1951 en Gales, Reino Unido, bajo el nombre de Gaynor Hopkins, creció en un hogar de clase trabajadora de seis hermanos. Es hija de un padre minero y de una madre amante de la ópera que le transmitió su amor por la música. Desde chica escuchó a Janis Joplin y a Tina Turner, a quienes encontró como sus referencias.

Cuando tenía 17 años, en 1970, siendo Gaynor Hopkins entró a un concurso de talentos y cantó una canción que había sido interpretada años antes por una artista del mismo apellido, Mary Hopkins. Cantó “Those Were The Days” y quedó en segundo lugar, detrás de una cantante profesional.

Sus primeros pasos como cantante fueron en un grupo llamado Bobby Wayne and the Dixies del que formó parte dos años. luego de ser escogida en una audición. Después se iría para formar su propio grupo, Imagination, con el que se dedicaría a cantar por los bares del sur de Gales por casi 10 años.

En 1975 cambió su nombre artístico por Bonnie Tyler y grabó su primer sencillo para RCA llamado “My My Honeycomb” que no logró llegar a las listas. La canción nunca fue del agrado de la artista y aunque muchos de sus admiradores buscan el maxi para escucharla antes de su operación de garganta, la tarea se ha hecho imposible.

Su segundo sencillo, “Lost in France” (1976), demostró como una letra casi sin sentido podía tener un poder increíble interpretada por la voz correcta. La canción llegó al puesto Nº 10 en las listas británicas y cuando entró a Europa la popularidad del tema no hizo más que aumentar al punto que hoy es uno de sus clásicos.

Las presentaciones en los bares ingleses le trajeron mucha suerte a Tyler. Fue allí donde conoció a su marido, con quien aún está casada, y fue en uno de ellos también donde la vieron los productores Roonnie Scott y Steve Wolfe, quienes asumieron su representación durante seis años y actuaron como sus compositores y productores entre 1976 y 1981.

En 1976 Tyler tuvo que someterse a una operación de garganta para eliminar unos nódulos que ya le impedían cantar. El resultado de la intervención tuvo un impacto serio en su carrera en la medida en que su voz se volvió más tosca y se acercó al tono de artistas como Tina Turner o Kim Carnes, con quien permanentemente era comparada, además de recibir el apodo de “la Rod Stewart femenina”.

El éxito alcanzado con «Lost in France» le permitió a Tyler grabar su primer LP en 1977. El álbum, “The World Starts Tonight”, apenas tuvo un éxito moderado, pero facilitó las cosas para una gira europea.

Su nueva voz carrasposa le daba la sensación de que su carrera se había terminado, pero su siguiente sencillo “It’s a Heartache” le probó lo equivocada que estaba. Contenido en su segundo LP llamado “Natural Force”, el tema llegó al puesto Nº 4 en Inglaterra, Nº 5 en Estados Unidos y Nº 1 en el resto de Europa. Esto le abrió el mercado norteamericano de par en par. El disco llegó a vender más de seis millones de copias y es, hasta la fecha, el más importante de su carrera.

Más aún, la canción “Sitting on the Edge of the Ocean”, escrita también por Scott y Wolfe, la llevó a ganar el premio Yamaha en Tokio, Japón. Ahora estaba en todas las listas y era una artista de la que se esperaba sólo lo mejor. Sin embargo, las cosas no marchaban como ella quería. Su siguiente maxi fue “Married Man”, que apenas llegó al Nº 35 en las listas inglesas y era resultado de una aparición en una película.

Sus dos últimos discos para RCA, “Diamond Cut” y “Goodbye to The Island”, eran más discos de country que de una artista cuyas referentes eran Janis Joplin y Tina Turner. Estaba a punto de firmar su segundo contrato con Scott y Wolfe cuando se dio cuenta de que las cosas no marchaban en la dirección que ella quería y en ese momento su carrera tuvo un giro importante justo antes de enterrarse más en el country.

En 1982 firmó con CBS. Como resultado vino su disco “Faster Than the Speed of Night” (1983), escrito por Jim Steinman (quien produce a Meat Loaf), y que estuvo en la cima de las listas de todo el mundo por semanas. De hecho Bonnie Tyler se convirtió en la primera mujer en lograr que un álbum llegara directamente al primer lugar en el Reino Unido.

El disco es reconocido por los conocedores del rock como una obra maestra con claras influencias clásicas. Por un lado el canto era casi de ópera, en tanto que en lo musical su explosividad recordaba a Tchaikovsky. “Total Eclipse of The Heart” le valió la nominación al Grammy como mejor cantante femenina y el disco al de mejor álbum, y ambos premios fueron para ella.

La canción, en cuestión de semanas, había subido a la cima de la popularidad desplazando a “Billie Jean” de Michael Jackson. Durante las cuatro semanas que estuvo en el primer lugar bloqueó a «Making Love Out Of Nothing At All» de Air Supply y no la dejó pasar del segundo lugar. Lo irónico es que ambas canciones habían sido compuestas por Jim Steinman. El disco vendió 5 millones de copias.

En 1984 actuó en la ceremonia de los Grammy interpretando la canción que el año anterior la había hecho famosa, mientras era nominada por “Here She Comes”, un tema que formaba parte de la banda de sonido del clásico del cine Metrópolis, que había sido restaurada. Ese mismo año alcanzó otro éxito mayúsculo con el sencillo “Holding Out for a Hero”, de la banda de sonido de la película Footloose.

En 1985 vino “Making Love of Nothing at All”. El sencillo fue lanzado en Inglaterra a través de una presentación durante la transmisión de la lotería nacional. La aceptación de la gente fue maravillosa, pero a la hora de ir a las tiendas a conseguir los discos, se habían agotado. El resultado fue que la canción no entró en el Top 40 y por ende no tuvo la atención ni la rotación que merecía en las radios.

Le siguieron los álbumes “Secret Dreams and Forbidden Fire” (1986) y “Hide Youtr Heart” (1988), cuyos resultados no fueron necesariamente los mejores. En 1991 Bonnie Tyler grabó el disco “Bitterblue” que fue un éxito en Europa. Le siguieron “Angel Heart” (1992) y «Silhouette in Red«, de 1993, que barrieron por toda Europa.

La discografía de Bonnie Tyler continuó con los álbumes «Free Spirit» (1995), «All in One Voice» (1999), «Heart Strings» (2003), «Simply Believe» (2004) y «Wings» (2005).

Después de estos éxitos, sus conciertos han seguido congregando grandes cantidades de seguidores, pero sus discos han tenido una respuesta limitada. En 2006 Bonnie Tyler celebró 30 años de trabajo en la música con una gira llamada “Celebrate”, un sencillo llamado “Louise” y un DVD con sus presentaciones en vivo.

Desde entonces ha hecho varias apariciones en televisión, participó del Festival de la Canción de Eurovisión y realizó una gira por Sudáfrica. Su último álbum de estudio, «Rocks and Honey» fue lanzado en 2013.

 Escuchar on-line >> Bonnie Tyler, «It’s a Heartache»

A-ha >> biografía

A-Ha es el trío noruego más exitoso salido de esas tierras. Se formó en septiembre de 1982 y lo integran Morten Harket (nacido el 14 septiembre de 1959 en Kongsberg, Noruega; voz principal), Magne Furuholmen (nacido el 1° de noviembre de 1962 en Manglerud, Oslo, Noruega; voz y teclado) y Paul Waaktaar-Savoy (nacido el 6 de septiembre de 1961 en Manglerud, Oslo, Noruega; voz y guitarra).

Admirados por Madonna, U2, Coldplay y Robbie Williams desde la época de “Take On Me” y “Cry Wolf”, el trío noruego A-Ha es una de las bandas pop más influyentes de los años 80’s y que hoy en día sigue produciendo material que sorprende a propios y extraños.

Pero Magne Furuholmen (tecladista de A-Ha) no se siente más importante y con una dosis de humildad declaró al diario Mercurio de Chile: “Los chicos de U2 deben creer que nos hemos convertido en acosadores, porque en cada entrevista que damos nos preguntan por nuestra relación con ellos. Esto es sólo porque el pobre The Edge nos dio un espaldarazo al hablar de las comparaciones entre «The Sun Always Shines on TV» (de A-ha) y «Beautiful Day» ¡cómo se debe estar mordiendo la lengua!”

Cuando Magne Furuholmen tenía 10 años y Paul Waaktaar 12 seguían de cerca la carrera de los Beatles y empezaban a soñar con hacer música igual que sus ídolos. Esto ocurrió poco después cuando formaron parte de distintos grupos musicales mientras iban a la escuela primera y luego al colegio secundario.

Después de varios años de tocar en bandas escandinavas como “Spider”, “Empire”, “Soldier Blue” y “Bridges” (con la que sacaron un álbum con sus propias composiciones), Magne y Paul se dieron cuenta que les era suficiente presentarse en bares y escuelas. Entonces invitaron a Morten Harket, un talentoso cantante local, a que se les uniera en un viaje a Londres a probar suerte, pero éste rechazó la oferta.

Después de 6 meses de sacrificios y decepciones en la capital inglesa, el entonces dúo regresó a Noruega a replantearse, no a dejar de pelear. De regreso en Oslo, en 1984, intentaron de todo para convencer a Harket de unirse a la banda. Luego de mucho insistir el cantante accedió. Ahora como un grupo completo volvieron a Inglaterra y encontraron una casa disquera y algunos admiradores. Durante los siguientes doce años A-Ha se radicó en Londres, donde se concretaron sus sueños más exóticos.

Warner Brothers era ahora su disquera e inmediatamente los puso a trabajar en su primer sencillo: “Take On Me”, que fue producido por Tony Mansfield y cuyas ventas fueron bastante malas.

Decepcionados por el resultado, A-Ha volvió a grabar el tema, esta vez producido por Alan Tarney y acompañado por un vídeo promocional que fue revolucionario para la época, en el cual por primera vez se mezclaban animaciones en boceto con vídeo natural. El sencillo llegó a ser número 1 en los Estados Unidos y número 2 en Inglaterra.

La canción era tan pegajosa que cualquier oyente la reconocía después de haberla escuchado un par de veces. En Estados Unidos las estaciones de radio y televisión le dieron toda la rotación que pudieron debido a lo revolucionario del vídeo, y MTV no dejó de pasarlo porque ese tipo de producto era lo que le daba empuje al canal.

El momento no pudo ser mejor. Durante 1985 el trío se colocó a la altura de artistas hijos de MTV como Duran Duran y Wham!, en parte empujados por su apariencia física y su acento escandinavo.

Aprovechando el éxito del sencillo, A-Ha lanzó “Hunting High and Low”, que fue su primer LP y cuyas ventas en todo el mundo fueron altísimas.

Para su siguiente disco la situación de éxito fue inversa. Mientras que en Inglaterra era número 1, en Estados Unidos “The Sun Always Shines On TV” se quedó entre las 20 más populares. Entonces el grupo salió de gira y empezó a colocar éxitos en las listas inglesas como “ Train Of Thought”, “ Hunting High And Low”, “ I’ve Been Losing You” y “ Cry Wolf”.

El suceso de su gira mundial se extendió a su segundo álbum “Scoundrel Days”, que se puso a la venta en octubre de 1986. Musicalmente, A-Ha le bajó el volumen al sintetizador y agregó más músicos para un sonido pop más puro.

En 1987 compusieron el tema para la película de James Bond “The Living Daylights”, que llegó al número 5 en Inglaterra. Un año después pusieron a la venta “Stay On These Roads”, un álbum más maduro que seguía produciendo éxitos en Inglaterra.

En 1990 lanzaron “East of the Sun, West of the Moon” y en él incluyeron una versión propia del tema “Crying in The Rain” de los Everly Brothers. El disco vendió bien en todas partes, pero particularmente en Sudamérica en donde la popularidad del trío creció de manera significativa. Acabando de lanzar el segundo sencillo del disco, “I Call Your Name”, A-Ha se presentó frente a 200 mil personas en el festival “Rock in Río”.

Su disco de grandes éxitos “Headlines and Deadlines” fue puesto a la venta en 1991. Dos años después vendría “Memorial Beach” que no alcanzó el nivel de ventas al que se había acostumbrado el grupo.

En 1994 el panorama musical había cambiado. El pop no era el mismo, el hip-hop empezaba a tomar fuerza y la llegada de los géneros dance, trance y las fiestas raves hicieron que el disco no estuviera en sintonía con una nueva adolescencia. Entonces, el trío decidió apretar la tecla de pausa y dedicarse a proyectos individuales, al igual que a sus familias. Magne y Morten se fueron de vuelta a Noruega, mientras que Paul se fue a Estados Unidos.

Por otra parte, y en el plano más íntimo de A-Ha, las tensiones dentro de la banda se habían acumulado desde la grabación del sencillo “Shapes That Go Together”, lo que terminó por separarlos. Otro elemento que colaboró a la ruptura es que algunos ejecutivos de la disquera convencieron a Harket de que se separara del grupo, porque tenía más futuro en solitario.

La reunión del grupo se llevó a cabo en la entrega de los Premios Nobel de 1998. A-Ha se presentó esa noche en Oslo después de cuatro años de no tocar juntos. La experiencia les sentó bien y luego de reunirse en la casa de Paul decidieron volver a grabar nuevo material discográfico. En el año 2000 lanzaron “Minor Earth Major Sky”, una placa donde el grupo produjo 13 pistas inteligentes y musicalmente bien acabadas. El disco tuvo certificaciones de platino y oro en varios países, aunque el regreso a Estados Unidos siguió postergado.

Las giras incluyeron todos los festivales de verano de Europa, y conciertos a reventar en Alemania y Japón.

Este nuevo éxito llevó a A-Ha a grabar “Lifelines” en 2002, un disco en el que adquieren un sonido más moderno y contemporáneo. A ese álbum le siguió “Analogue” en 2005, que llegó como una manera de celebrar los 20 años del número uno de “Take On Me” y una forma de retomar la senda de su propio estilo.

A finales de marzo de 2009 A-ha viajó a Sudamérica para dar tres conciertos en el que ofrecieron una avance de su próximo trabajo. Tocaron las dos que ya se conocían del concierto en el Royal Albert Hall y mostraron la canción «What There Is». Hasta abril no se volvió a saber nada del álbum, cuando el día 24 lanzaron en Internet y en las radios noruegas el primer sencillo «Foot of the Mountain». Poco después se comercializó la canción y se dio a conocer que el álbum saldría en junio del mismo año.

«Foot of the Mountain» se lanzó en junio de 2009 en Europa y en julio en el Reino Unido, donde ingresó en el puesto Nº 5 de las listas. Además, el álbum estuvo situado en el Nº 1 de la listas de descargas de iTunes en Alemania. El álbum supuso el regreso a los orígenes de A-ha, con el estilo y elementos que definieron a la banda en sus primeros años. Cuatro días después de su lanzamiento en Noruega, se registraron 30.000 copias vendidas y el álbum consiguió un disco de platino.

El 15 de octubre de 2009, a través de su web oficial, el grupo anunció su decisión de terminar A-ha definitivamente y celebrar los 25 años de carrera del trío con una gira de despedida en el 2010.

Sin embargo, y luego de una segunda pausa de varios años, el próximo 4 de septiembre de 2015 se producirá el lanzamiento del nuevo álbum de estudio «Cast in Steel«. Con nuevo material, el grupo se presentará en el Estadio Luna Park de Buenos Aires (Argentina) el 24 de septiembre, en el marco de la gira que realiza para celebrar su 30° aniversario.

A-Ha nunca ha sido uno de esos grupos cuya preocupación primaria es estar a la moda. De todas maneras, se han dedicado a evolucionar hasta crear música bien producida cuyo resultado, claro está, son canciones memorables.

 Escuchar on-line >> A-ha, «The Sun Always Shines on TV»

Savage Garden >> «Savage Garden» (1997)

Tras la publicación del álbum debut con su mismo nombre, el dúo de Brisbane fue el primer grupo australiano en alcanzar lo más alto de las listas de sencillos y álbums en su propio país. Con sus himnos de pop con sintetizadores de aire retro, Savage Garden no tardó en llegar al éxito internacional gracias, en parte, a una extraordinaria difusión radiofónica.

Comparado con Roxette y Duran Duran, Savage Garden no obtuvo el beneplácito de la crítica tras la publicación de su primer disco. No obstante, el grupo se hizo con una amplia base de seguidores gracias a muy buenos temas como «To the Moon and Back» y el Nº 1 en Estados Unidos «Truly Madly Deeply«.

Al mes siguiente de la publicación del disco, las ventas empezaron a dispararse gracias a que Rosie O’Donnell empezó a poner el tema «I Want You» en su programa de televisión, para poco después invitar al dúo para una actuación acústica.
Con un carácter de pop melódico con ritmos pegadizos, Savage Garden tenía el atractivo de la pasión vocal de su cantante Darren Hayes y la limpia producción de Charles Fisher, que ya había trabajado con Air Supply. «Savage Garden» fue muy popular en Estados Unidos y en el Reino Unido, pero lo fue aún más en Australia, donde permaneció durante 19 semanas seguidas en lo más alto de las listas de éxitos.

«Savage Garden» se publicó en abril de 1997 y vendió casi 8 millones de copias. Está en el puesto Nº 64 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90’s.

Contenido del disco:

1) To the Moon and Back
2) I Want You
3) Truly Madly Deeply
4) Tears of Pearls
5) Universe
6) Carry on Dancing
7) Violet
8) Break Me Shake Me
9) A Thousand Words
10) Promises
11) Santa Monica

 Escuchar on-line >> Savage Garden, «To the Moon and Back»

Michael Jackson >> «Off The Wall» (1979)

A pesar de aparecer al final de la década, «Off The Wall« es uno de los discos fundamentales de los años 70’s. Nacido de la locura de la música disco es, quizá, uno de los más brillantes discos pop/dance grabados nunca, gracias en gran parte a los esfuerzos del productor Quincy Jones, cuya asociación con Michael Jackson ayudó a crear el maravilloso sonido disco/funk que aparece en gran parte del álbum.

A pesar de no haber conseguido tantos sencillos Nº 1 (como conseguiría su siguiente superéxito «Thriller«) el disco fue el punto de inflexión a partir del cual la carrera en solitario de Jackson tomó un extraordinario impulso hacia la cumbre, convirtiéndose en el artista más reconocible del planeta.

Aunque «Off The Wall« sólo consiguió alcanzar el Nº 3 en las listas de Estados Unidos y el Nº 5 en Inglaterra, sentó las bases para los siguientes cinco años, a la vez que desencadenó la locura mediática que lo acompaña hasta hoy, incluso después de su muerte en 2009.

Con canciones escritas por Jackson, Rod Temperton, David Foster, Carole Bayer Sager y otros, el disco consiguió que cuatro sencillos llegaran a una alta posición en las listas en ambos lados del Atlántico, incluida la balada «She’s Out Of My Life».

«Off The Wall« fue publicado en agosto de 1979 y vendió 7 millones de discos. Está ubicado en el puesto Nº 19 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70’s.

Contenido del disco:

1) Don’t Stop ‘Til You Get Enough
2) Rock With You
3) Working Day and Night
4) Get on the Floor
5) Off the Wall
6) Girlfriend
7) She’s Out of My Life
8) I Can’t Help It
9) It’s the Falling in Love
10) Burn This Disco Out

 Escuchar on-line >> Michael Jackson, «Don’t stop ‘til you get enough»

Anita Baker >> «Rapture» (1986)

Prácticamente sola entre las grandes estrellas del soul de la década, Anita Baker evitó una producción rimbombante y las posibilidades de su torrente de voz para su estilo de soul más tranquilo y delicado. En «Rapture«, su segundo álbum, colaboró como autor y productor el antiguo colega de Chapter 8, Michael Powell, y su éxito fue rotundo, ya que supo enganchar tanto a los amantes del pop como a los del soul y el jazz.

La producción del álbum puso el énfasis en la voz contralto de Baker, que iba arropada por un grupo de músicos de jazz con un fondo musical suave que no escondía su voz, y con el último saxofonista de Pharoah, Don Myrick, que le dio un toque aún más jazzístico.

La propia Baker escribió dos canciones, «Been So Long» y «Watch Your Step», y colaboró en otra: «Sweet Love». «Caught Up In The Rapture» era el arreglo de un tema oscuro grabado originalmente en 1970 por el músico neoclásico Steve Kindler.

«Rapture» obtuvo dos premios Grammy en 1987, y también cinco singles en las listas con, entre otros, «No One In The World«, «Same Ole Love» y «Sweet Love«, que alcanzó el Nº 8 del Billboard Top 100.

«Rapture« fue publicado en julio de 1986 y vendió más de 5 millones de copias. Está ubicado en puesto Nº 58 entre los 100 discos más vendidos de los años 80’s.

Contenido del disco:

1) Sweet Love
2) You Bring Me Joy
3) Caught Up In The Rapture
4) Been So Long
5) Mystery
6) No One In The World
7) Same Ole Love
8) Watch Your Step

 Escuchar on-line >> Anita Baker, «No one in the world»

Time Bandits >> biografía

Time Bandits es una banda holandesa formada en los años 80’s y mejor conocida por su éxito «Endless Road», el cual fue extensamente escuchado en Europa.

El grupo fue creado por el holandés Alides Hidding en 1981, quien escribió todas las canciones y es además la voz líder. Los cinco discos de la banda estuvieron en los charts de todo el mundo, estableciendo una presencia en la escena musical de Estados Unidos y llegando al tope de los charts bailables con el hit Nº 1 «Live It Up».

Hacia mediados de los años 80’s, Time Bandits tuvo un tremendo éxito en Australia donde «I’m Only Shooting Love» y «Endless Road» (donde fue filmado el video musical) fueron hits Top Ten y hoy en día son considerados verdaderos clásicos de los 80’s. Estos sencillos y otros como «Listen To The Man With The Golden Voice», «Dancing On A String» y «I’m Specialized In You» también tuvieron éxito en Holanda, Alemania, Francia y Nueva Zelanda, donde «I’m Only Shooting Love» se convirtió en Nº 1 en junio de 1984.

Luego de mudarse desde Europa a Los Ángeles en 1989, las canciones de Alides fueron grabadas por varios artistas como Jennifer Rush, The Nylons, y numerosos músicos europeos. Alides también colaboró con otros compositores como Charlie Midnight (productor en 1987 del último álbum de Alides «Can’t Wait For Another World» junto con Dan Hartman), Jackie DeShannon, Pamela Phillips Oland, Dwayne Hitchings, Donny Markowitz y Todd Smallwood.

La discografía de la banda incluye los álbums «Time Bandits» (1982), «Tracks» (1983), «Time Bandits» (1984), «Fiction» (1985) y el ya mencionado «Can’t Wait for Another World» de 1987.

La versatilidad de Alides Hidding se refleja en su capacidad para adaptarse a un extenso rango de composiciones y estilos de producción. Ha trabajado por igual con géneros musicales tan dispares como el R&B, el blues, el dance y el pop/rock.

Los otros miembros de la banda son Marco Lightenberg en teclados, Guus Strijbosch en bajo y Dave van den Dries en batería.

¡Por favor disfruten de este verdadero clásico ochentoso!

 Escuchar on-line >> Time Bandits, «I’m only shooting love» (American extended remix)

Milli Vanilli >> biografía

La sola mención del nombre de este dúo del pop todavía provoca reacciones fuertes entre quienes creyeron que lo que oían y veían era exactamente lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido desde su desaparición, Milli Vanilli sigue siendo sinónimo de farza, fraude y estafa.

Rob Pilatus y Fabrice Morvan, las caras del dúo, resultaron ser modelos que se limitaban a mover los labios mientras sonaba una pista interpretada por cantantes profesionales de estudio. Fue por eso que se convirtieron en los primeros artistas en ser despojados de un Grammy y se llevaron consigo a muchos otros artistas del dance/pop que, involuntariamente, quedaron bajo la sombra de la duda.

El dance/pop quedó revelado como un género superficial, mecánico y artificial que se construía para satisfacer necesidades de mercado basadas estrictamente en la apariencia. En realidad, esta percepción no está muy lejos de la realidad en tanto que muchos artistas reducen su talento a una cara bonita.

Sin embargo, Milli Vanilli no fue el único grupo que usó esa técnica de mercado propia de finales de los ochenta, mucho menos el único grupo europeo que lo hacía, pero sí fue el que se convirtió en el más importante y notorio de todos los que salieron y quizás los que mejor hicieron el truco.

El tema de doblar la voz nunca fue extraño a la música pop. De hecho hay antecedentes que datan de la época de la música chicle de los años 60’s y los combos de los 50’s. Lo que pasó es que Milli Vanilli se ganó un nombre, se creó una fama, se convirtió en un fenómeno y no hubo un solo medio de comunicación que tolerara aceptar que lo habían engañado tan inteligentemente como lo hicieron Rob y Fabrice junto a sus productores.

La historia terminó mal en todo sentido. Luego de la desaparición de la banda, Rob Pilatus entró en una profunda depresión que terminó con su muerte por sobredosis en 1998, diez años después del debut del dúo.

A pesar de todo lo anterior, el dúo vendió más de 30 millones de sencillos, 14 millones de álbumes y fue uno de los espectáculos más importantes de finales de los 80’s e inicios de los 90’s.

Milli Vanilli fue el producto de una idea del productor alemán Frank Farian, quien antes produjo al grupo de disco europeo Boney M. La idea de Farian era unir elementos del dance/pop europeo con otros del rap norteamericano. Para ello armó un grupo de músicos de estudio y cantantes que incluyó al rapero Charles Shaw y a dos jóvenes cantantes norteamericanos que radicaban en Alemania, Johnny Davis y Brad Howell; junto a ellos estaban las mellizas Jodie y Linda Rocco. Lo que le hacía falta era imagen, de manera que la gente se enamorara del proyecto. Fue entonces cuando decidió contratar a dos antiguos bailarines de Breakdance: Rob Pilatus y Fabrice Morvan, que harían de “grupo” en los videos, conciertos, entrevistas y demás presentaciones públicas.

Pilatus nació en Nueva York en 1965 pero creció en un orfanato de Munich luego de que sus padres (un soldado norteamericano y una nudista alemana) lo dieran en adopción. Por su parte, Morvan nació en 1966 en la isla de Guadalupe, vivió un tiempo en Miami y luego se mudó con su madre a París. Ambos eran grandes bailarines y su apariencia exótica con largas extensiones era exactamente lo que Farian estaba buscando para su proyecto.

El álbum debut de Milli Vanilli fue “All Or Nothing” y se puso a la venta a mediados de 1988, con Rob y Fabrice al frente y sin una sola mención de quienes eran los cantantes. El disco tuvo un éxito inmediato y llamó la atención de Arista Records que firmó al grupo, remezcló algunas de las pistas, agregó otras, rebautizó al LP como “Girl You Know It’s True” y lo puso a la venta en Estados Unidos a inicios de 1989.

La canción que le daba el nombre al álbum llegó a ser número 2 dentro de las 100 mejores y fue certificada como platino. Pero mayor fue el éxito de los tres sencillos que le siguieron: «Baby Don’t Forget My Number», «I’m Gonna Miss You» y «Blame It On The Rain». Todos fueron número 1. Después vino “All or Nothing” que estuvo entre las cinco primeras a inicios de 1990.

El pico de popularidad de Milli Vanilli terminó con el premio Grammy al mejor artista en febrero de 1990.

El éxito y la fama se le empezó a subir a la cabeza al dúo, particularmente a Pilatus, quien empezó a tener fuertes cambios de carácter y un comportamiento errático, además de volverse adicto a la cocaína. En una entrevista con la revista Time comparó a Milli Vanilli y particularmente a él con Bob Dylan, Elvis Presley, Paul McCartney y Mick Jagger, lo que le valió todo tipo de burlas.

Ese mismo año, durante un concierto que fue grabado por MTV, la pista musical de “Girl, You Know It’s True” se trabó y empezó a repetir «Girl, you know it’s…» una y otra vez. En realidad a la gente que estaba ahí ni le importó, pero la gente de la prensa empezó a cuestionar a Rob y a Fabrice en las críticas a su presentación.

Para agravar las cosas, el disco lanzado en Estados Unidos sí le daba los créditos de la voz a Morvan y a Pilatus, lo que generaba más presión dentro del grupo, sobre todo por parte de Rob y Fabrice que querían cantar en el próximo disco. Eso le llenó la paciencia a Farian.

La presión interna y externa fue tal que Farian le confesó a la prensa el 12 de noviembre de 1990 que Morvan y Pilatus no eran los cantantes de las canciones que los habían hecho famosos. La prensa reaccionó con una dureza implacable que provocó que el Comité de los Grammys decidiera retirar el premio. El premio que no fue retirado fue el de los “American Music Awards” debido a que los organizadores estimaron que ellos habían ganado por decisión de los consumidores.

De la misma manera, Arista Records canceló el contrato y borró el disco y sus cintas master de su catálogo, además de cancelar cualquier otra publicación del LP.

A raíz del escándalo, en Estados Unidos se presentaron 26 demandas contra Pilatus, Morvan y Arista. Al final, lo que obtuvo la gente no fue dinero en efectivo sino crédito para comprar otros discos de la casa grabadora.

El segundo disco de Milli Vanilli estaba listo para salir cuando estalló el escándalo. Fue entonces cuando Farian decidió cambiar las fotos de las portadas por las de los verdaderos cantantes. De paso, le cambió el nombre al dúo como “The Real Milli Vanilli” (Los Verdaderos Milli Vanilli). Sin embargo, dado que el cambio se hizo muy sobre la hora, el diseñador gráfico olvidó cambiar el nombre de los artistas en el lomo del disco y aún en él puede leerse el nombre viejo.

En Estados Unidos el disco se llamó “Keep On Running” (igual que el sencillo que se usaría para promoverlo) y en Europa fue “The Moment of Truth”. Aunque se extrajeron tres sencillos, el disco fue un fracaso.

El grupo fue reformado incluyendo a Horton como la cara más visible y en 1992 RCA firmó un contrato con un grupo llamado Try’N’B. El disco incluyó canciones de The Real Milli Vanilli y vendió bastante mejor bajo el nombre de este grupo que del anterior.

Por su parte Morvan y Pilatus se mudaron a Los Ángeles y firmaron con Joss Etertainment Group para grabar un disco bajo el nombre de Rob & Fab. Casi todas las canciones del disco fueron escritas por Kenny Taylor y Fabrice Morvan, mientras los dos ex Milli Vanilli cantaban. La disquera no tenía la capacidad para sacar el disco fuera de Estados Unidos, el mercado más ácido para el grupo. Sumado a eso la falta de publicidad, mala distribución y el arrastre del escándalo, terminaron de hundir al disco.

Con los años pasó mucha agua debajo del puente y Farian también tuvo que pagar su cuota de fracasos. En 1997 se puso de acuerdo con Morvan y Pilatus para producir un disco de Milli Vanilli en los que ellos serían las voces. “Back and in Attack” contó con el apoyo de los cantantes originales con el fin de ayudar a recapturar la fama tan rápidamente perdida.

Sin embargo, Pilatus se enfrentó a muchos problemas durante la producción. Nuevamente volvió a las drogas, robó y fue a parar a la cárcel por tres meses. Farian pagó para que Pilatus fuera seis meses a una clínica a desintoxicarse y a rehabilitarse, además de un intento de regreso a Alemania.

Justo antes de la gira de promoción del disco, Pilatus fue encontrado muerto en un hotel de Frankfurt luego de intoxicarse con píldoras y alcohol.

Desde entonces Morvan se dedicó a la música, además de ser presentador de radio y de haber lanzado en 2003 su disco “Love Revolution”.

Reflexionando sobre la muerte de Rob, Fabrice dice en su sitio web: “Milli Vanilli no fue una desgracia, la única desgracia fue la forma en que murió Rob: sólo, destruido internamente por un rápido ascenso y una caída precipitada”. Y termina diciendo: “Siento un gran dolor al escuchar la noticia sobre mi amigo y hermano Rob. Siempre será una parte de mí. Crecimos juntos luchando y triunfando. Lo único que queríamos era una oportunidad para cantar y actuar«.

Saquen Uds. sus propias conclusiones.

 Escuchar on-line >> Milli Vanilli, «Girl, you know it’s true»